La fame nel cinema italiano Terza Parte

23 MARZO, 2019

di Gianni Sarro
http://www.ponzaracconta.it/2019/03/23/la-storia-raccontata-dai-film-4-la-fame-nel-cinema-italiano-terza-parte/

Arriviamo finalmente al 1974 e ad Ettore Scola. E’ lui a dirigere C’eravamo tanto amati, film cardine del nostro cinema, perché narra trent’anni di storia italiana, tracciando, non a caso, lo stesso arco di Roma città aperta, Ladri di biciclette, I soliti ignoti, Il sorpasso.
Il film di Scola è un film di Storia e di storie, con una struttura complessa, dove si mescolano flashback (retrospezione o racconto di un evento avvenuto prima – analessi – NdR), flashforward (anticipazione o prolessi – NdR), fantasie ad occhi aperti, materiali di cinegiornali, rappresentazione teatrale; realizzando una contaminazione tra dramma e commedia, parodia e denuncia sociale.
Questa contaminazione, secondo Lino Micciché (storico del cinema e critico – NdR), avviene perché negli anni ’70 il cinema non si può più limitare a mostrare il reale, come avveniva nel Neorealismo, perché mostrare non basta; non riesce più a far capire la realtà complessa della società del dopo-boom economico.

Il film di Scola schiera un parterre de roi dove insieme a Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Stefania Sandrelli, Stefano Satta Flores spicca Aldo Fabrizi, in una delle più belle interpretazioni della sua carriera.

Fabrizi con i personaggi di Don Pietro (Roma città aperta) e di Romolo Catenacci (C’eravamo tanto amati) rappresenta il mutamento dei tempi, tra il dopoguerra e gli anni 70.
Don Pietro è il simbolo della speranze di un futuro migliore, e non esita a subire il martirio, simbolicamente uguale a quello di Gesù, per il bene dell’umanità. Viceversa Romolo Catenacci rappresenta i 30 anni che sono passati dal 1945, le speranze che sono naufragate. Il corpaccione gargantuesco del palazzinaro/pescecane è l’emblema del disfacimento e dell’auto-indulgenza dell’Italia degli anni 70.

Essendo un film che segue una traiettoria di trent’anni, C’eravamo tanto amati ribadisce l’itinerario culinario che abbiamo visto nei film precedenti. Nelle sequenze iniziali, ambientate nell’immediato dopoguerra a Roma, Gassman, Manfredi e Satta Flores, mangiano tutti i giorni in un ristorante conosciuto come il “Re della mezza porzione”, che ci ricorda padre e figlio in Ladri di Biciclette.

Man mano che C’eravamo tanto amati va avanti, i pranzi diventano più ricchi ed abbondanti, fino ad arrivare a quella scena di gargantuesca opulenza dove Fabrizi, in uno dei suoi cantieri, presenzia all’arrivo di una gigantesca porchetta, depositata sul lungo tavolo allestito per il pranzo da una gru, mentre da alcuni altoparlanti vengono diffuse le note dell’inno di Mameli.

Dunque alla fine di questo gioco cine-culinario, il cibo non è più una necessità, ma assurge a simbolo, ad idolo da glorificare, a discapito di ideali sotterrati da trent’anni nei quali sono scoppiate laceranti contraddizioni sociali che hanno trasformato i sogni in incubi.

Per finire, dallo stesso film di Scola, un ricordo che abbraccia Fellini e altri attori “che abbiamo tanto amato”: la ricostruzione della famosa scena del bagno de La dolce vita, a Fontana di Trevi, ricostruita per l’occasione con i personaggi veri e inserito nella trama del film…

[La storia raccontata dai film. La fame nel cinema italiano (terza parte) – Fine]

La storia raccontata dai film (4). La fame nel cinema italiano (terza parte)

Trasferimento da Venezia alle Isole Tremiti 
8 MARZO, 2017
di Tano Pirrone http://www.ponzaracconta.it/s=piccolo+cabotaggio+3&submit.x=0&submit=0

“L’Hallber Rassy 45”ed altre accortezze
L’eterea, impalpabile, opalina fantasia, pur vivace, pronta, esploratrice resistente ed inquieta, per farsi segno, scrittura ha bisogno di radici profonde, di fondamenta solide, di ancore pesanti legate a robuste e lunghe catene.
Organizzare un viaggio in mare, pur di piccolo cabotaggio e con rotta sempre a ridosso della costa, per un terricolo stagionato ed irrecuperabile come me ha bisogno di compagni di viaggio esperti e di mezzi adeguati, che utilmente lo rassicurino e rendano sicuro, confortevole e verosimile il viaggio stesso.
La scelta dei compagni d’avventura è, di solito, cosa assai complicata e più affidata alla dea bendata che alla perizia nella ricerca. Ho tra gli amici più cari con cui condivido quasi tutte le mattine chiacchiere e caffè, due esperti di barche e della loro saggia conduzione; di essi mi son fidato e con loro, pur gravati dal peso dell’età ormai non più verde, ho formato l’equipaggio e con loro ho scelto la barca con cui affrontare in sicurezza e senza ambasce il lungo viaggio.

S. e G., una volta compreso – non è stato per nulla facile! – che si trattava di un viaggio immaginario e che avremmo dovuto tutti insieme essere fedeli alla verosimiglianza senza ricorrere ad un viaggio vero, si sono dichiarati d’accordo ed hanno iniziato a sotterrarmi di informazioni.
È notorio che io sono buon conoscitore dell’arte antica di coltivare gli agrumi, portata in Sicilia dagli Arabi e affidata ai rudi e laboriosi abitanti di Trinacria, come col fuoco fece Prometeo, che rubandolo agli dei ne fece dono agli uomini; nello stesso modo si sa che conosco poco o punto le fondamentali nozioni dell’arte del navigare e distinguo a malapena un caicco da un gozzo, un peschereccio da un rimorchiatore, i burchielli dai catamarani, e mi persiste, archiviato fra i misteri, cosa siano gli scalmi.      In ragione di ciò, simuleremo il nostro viaggio di piccolo cabotaggio, salendo a bordo di un bellissimo scafo l’Hallberg Rassy 45 (la cifra indica la lunghezza in piedi), intramontabile barca di diporto su cui il mio amico S. ha imbarcato negli anni d’oro belle fanciulle spiegando le vele in tutto il Mediterraneo.
A bordo abbiamo voluto due marinai ché provvedano a tutte le esigenze di navigazione e di conforto. Mi dicono, gli esperti, che potremo procedere ad una velocità media oraria di circa 5 miglia nautiche (pari, metro più metro meno, a poco più di 9 chilometri).
Prevedendo di navigare dall’alba al tramonto per una media di 12 ore, percorreremo ogni dì circa 60 miglia nautiche, raggiungendo le Tremiti in meno di una settimana; salvo impedimenti meteorologici, o incidenti (tipo inciampo con narratore giù per terra con sterno e mano destra dolenti e, soprattutto, conseguente precipite autostima).
Ho deciso così di apportare una piccola variazione – in addendum – al programma originario: scivolando giù per il “libero tristo fragrante verde Adriatico” (1) abbineremo luoghi a film della nostra memoria, più o meno noti, più o meno di successo, ma tutti degni di essere citati e possibilmente rivisitati.
Divideremo il viaggio in due parti: dal Lido di Venezia a Riccione e da lì alle Isole Tremiti. I nostri tre lettori ce ne saranno grati.
Il viaggio. Dal Lido a Riccione
Salpiamo all’alba dal Lido, che abbiamo lasciato al tramonto del giorno e della vita di Gustav in Morte a Venezia, e tenendo il Litorale sulla nostra sinistra vediamo sfilare Malamocco e Alberoni, il passaggio al mare aperto e poi tutto il Litorale di Pellestrina, fino a Chioggia, dove due cose ci attraggono (oltre la città stessa, i suoi canali e i suoi ponti): il magnifico mercato ed il ricordo di un bel film abbastanza recente: Io sono Li di Andrea Sepe, 2011.

Il giovane regista è documentarista eccellente e prolifico, ha vivo l’interesse per etnie, popoli e culture marginali. Ha realizzato oltre Io sono Li un solo altro lungometraggio La prima neve, 2013, in cui continua la sua personale ricerca fra essere umani e luoghi. Il resto della sua produzione sono documentari, colti, profondamente segnati da interesse e solidarietà per i suoi personaggi.
Shun-Li (Zhao Tao), cinese emigrata in Italia confeziona quaranta camicie al giorno in un laboratorio tessile di Roma per pagare il viaggio e i documenti per il figlio rimasto – lì – in Cina e che la madre sogna di riabbracciare al più presto. A Chioggia apprende la lingua e stabilisce una delicata storia di amicizia con Bepi (Rade Šerbedžija), anziano pescatore croato da oltre venti anni in Italia. La storia si intreccia con invidie e contrasti che denunciano con toni pacati un’integrazione mancata.
Io sono Li è cinema di poesia, umile e ostinato, che ha trovato riconoscimenti di pubblico e di critica [su Ponzaracconta Gabriella Nardacci ha già scritto del film e presentato il relativo trailer].

Oltre al Donatello alla protagonista bisogna ricordare il Premio Lux del Parlamento europeo, riservato ai quei lavori che esplorano le diversità delle culture in Europa.
Rivederlo è un’esigenza per mettersi in pari con il clima stupidamente avverso nei confronti dell’immigrazione e dell’integrazione e coglierne la levità e la compostezza disadorna. Indispensabile per cogliere e comprendere quanto sia lucido e necessario lo sguardo alieno di chi è straniero nella propria nazione. Comprarlo è facile: lo vende Amazon a 6,99€, abbinando, se volete, La prima neve a 9,99€. 

Usciamo lentamente dalla Laguna veneta e iniziamo a scendere, tenendo ora la costa sulla nostra destra (a tribordo) ed è subito un “fociare” di fiumi, il Brenta, l’Adige e poi il vecchio Po, che dissolve in mille rami la sua possente linfa. Navigando scrupolosamente secondo le indicazioni del portolano (2) vediamo scorrere la Riserva naturale delle bocche del Po antistante Porto Tolle.
E qui dobbiamo alzare un saluto grato ad uno dei padri del Cinema italiano (e non solo): Roberto Rossellini. Fra le paludi del Polesine, fra le acque che lente giungono alla meta, il regista romano ambienta il sesto episodio di Paisà, 1946, secondo film della Trilogia della guerra antifascista (Roma città aperta, 1945, e Germania anno zero, 1948). Paisà è giustamente considerato come una vetta del cinema neorealista: diviso in sei episodi, che accompagnano la guerra dallo sbarco di luglio 1943, attraverso la Napoli della fame e degli scugnizzi, una storia romana fra una ragazza ed un soldato americano, la Firenze della lotta partigiana, l’Appennino con un incontro fra frati conventuali e cappellani non cattolici, e oltre la Linea Gotica(3), nell’inverno del 1944, le paludi del Polesine e la durissima, spietata lotta fra nazisti in ritirata e partigiani.
Fiumi di parole, muri di libri sono stati scritti su questo film, sulla trilogia della guerra, su Roberto Rossellini, perché in un veloce viaggio si possa approfondire oltre. Chi volesse rivederlo e non lo avesse nella videoteca personale, può acquistarlo on line oppure vederlo in streaming: http://www.rai.it/dl/RaiTV/programmi/media/ContentItem-681aa7d8-652a-46fd-8cf7-43d8bb3bf2b8.html.
Continuando il nostro viaggio verso il sud, costeggiamo i Lidi di C
A me basta rivolgere il pensiero riconoscente a Federico Fellini, uno dei massimi uomini del cinema di tutti i tempi. Io reputo 8 ½ il film più bello, completo e meglio realizzato di sempre, ma io esagero sempre… o quasi. Come non celebrare il grande Federico se non citando il suo fantasmagorico carnet de souvenirs, Amarcord (1973).

Il titolo è una “univerbazione”, la riduzione, cioè, di una frase romagnola “A m’arcord” (Io mi ricordo), che è diventato un neologismo della nostra lingua, cui ricorriamo quando “rievochiamo in chiave nostalgica”. Numerosissimi gli interpreti, magnificamente guidati, che hanno dato vita a personaggi ormai mitici, come Magali Noël, nella parte della provocante parrucchiera Ninola, decisa a trovare un futuro marito uguale a Gary Cooper, ma pronta, nel frattempo, a offrirsi con generosità (“Signor Principe, gradisca”), da cui “La Gradisca”; come Maria Antonietta Beluzzi, “La Tabaccaia”, con cui Titta (interpretato da Bruno Zanin) trascorre alcuni sospirati momenti di intimità nella di lei bottega; come Ciccio Ingrassia, nella parte di Teo, lo zio matto (…voglio una donna …voglio una donnaaa!).

È un film senza intreccio, senza vicenda. Avvengono le “solite” cose tanto nella vita privata che nella pubblica e avvengono tutte nello stesso modo, secondo una visione del mondo “contadina”, in cui storia e natura si confondono sicché la vita umana risulti inserita costantemente nell’inalterabile, eterno, sicuro flusso cosmico.
Per chi volesse acquistarlo, Amazon è sempre lì, drone o non drone: la nuova versione restaurata costa € 16,99. Anche La Feltrinelli e Mondadori vendono on-line.
Ormeggiati tranquillamente nel porto turistico di Rimini, pronti a salpare alla prima notizia del passaggio, nella notte, del Rex(4) o del suo scintillante fantasma, ci riposiamo sulla terra ferma [la scena dell’attesa del Rex e del relativo passaggio (da Amarcord), è stata inserita nel filmato di Sandro Russo per la serata del Faro della Guardia, il 10 agosto 2012. Leggi e guarda qui].
Ne approfitto per l’ultima liaison fra città adriatiche e film lungo la rotta dal Lido di Venezia alle Tremiti. Pochi chilometri a sud Riccione, Misano Adriatico, Cattolica e poi le Marche, terra ballerina, cui va tutta la nostra vicinanza, simpatia e solidarietà.
Proprio a Riccione è ambientato il bel film di Valerio Zurlini (5) Estate violenta, 1959.

L’estate in cui si svolge la storia narrata da Zurlini è quella del 1943, nella quale i tempi si accelerano e le regioni d’Italia, che sembravano ancora sicure, sono coinvolte dalla montante onda della guerra. I giovani borghesi trascorrono la stagione dei bagni al mare; fra essi Carlo (Jean-Louis Trintignant), il figliolo ventenne di un gerarca fascista (Enrico Maria Salerno). Fra noie, feste ed amorazzi, il giovanotto s’infatua di Roberta (Eleonora Rossi Drago), bellissima vedova di un ufficiale che trascorre la stagione in una villa a mare con la madre (Lilla Brignone) e con la piccola figlia. Allo scoccare del 25 luglio piovono bombe sulla spiaggia e sulla stazione. La relazione, intreccio fra l’immaturità del giovane e la dolorosa disillusione di lei, ha la sua conclusione nel momento della fuga verso nord: il treno su cui viaggiano verso posti più sicuri è bombardato; il violento impatto con la realtà mette Carlo di fronte alle sue responsabilità: convince la recalcitrante Roberta a tornare indietro dalla figlia e dalla madre e va incontro al suo destino.

La sceneggiatura, tratta da un soggetto originale di Zurlini, è frutto del lavoro comune con Suso Cecchi D’Amico e Giorgio Prosperi. Il film scorre con garbo ed eleganza, con alcune scene clou, come il ballo ed il primo bacio e il bombardamento del treno nel finale. Salerno è superbo interprete del gerarca fascista, ammirevole la presenza scenica della grande attrice di teatro Lilla Brignone; alter ego del regista, perfettamente calato nel profilo psicologico ed etico di Carlo, il grande Trintignant (doppiato da Paolo Ferrari).
Due Nastri d’argento hanno premiato nel 1960 Eleonora Rossi Draghi come migliore attrice e Mario Nascimbeni per la colonna sonora. Lo stesso anno al Festival di Mar Del Plata la Draghi ricevette il premio per migliore attrice.
Per ri/vederlo, se non ce lo avete in casa, o non avete amici che stivano Dvd, potrete trovarlo sul web: https://www.youtube.com/watch?v=qmyP26vUELw
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Note
(1) – Gabriele D’Annunzio, Canto Novo, Libro secondo, 46
(2) – Manuale basato sull’esperienza e l’osservazione che fornisce le informazioni non rappresentabili dalle carte nautiche, in particolare una descrizione accurata dell’aspetto verticale della costa.
(3) – Denominazione data, durante la seconda guerra mondiale, alla linea difensiva tedesca su cui si ritirarono le truppe tedesche sul fronte italiano nel 1944; correva da Forte dei Marmi a Rimini e impediva alle forze alleate di entrare nella pianura padana. Crollò tra l’autunno del 1944 e l’aprile del 1945 (l’Enciclopedia, vol. 9, La biblioteca di Repubblica).
(4) – Il transatlantico Rex, costruito dai Cantieri Navali Ansaldo di Sestri Ponente e inaugurato nel settembre del 1932 rimase il più grande mai costruito fino al varo nel 1991 della Costa Classica. Il Rex è protagonista di una celebre scena di Amarcord, nella quale una folla ne attende nottetempo il passaggio nell’Adriatico a bordo di piccole imbarcazioni. Tale scena è di pura fantasia, in quanto il Rex, eccetto l’ultimo viaggio verso Trieste nel 1994, non passò mai nell’Adriatico.
(5) – Dopo una serie di documentari, esordì con il lungometraggio Le ragazze di San Frediano (1955) da un racconto di Vasco Pratolini. Con Estate violenta (1959), su una complicata storia d’amore nell’Italia del secondo dopoguerra, e La ragazza con la valigia (1961), sulla complessa relazione tra due giovani dall’animo profondamente diverso, si ritagliò un posto di psicologo della donna e della gioventù. Con Cronaca familiare(1962), sempre da Pratolini, compose a colori un’opera figurativamente equilibrata e un’elegia dei sentimenti, vincendo il Leone d’oro a Venezia (ex-aequo con L’infanzia di Ivan di A. Tarkovskij). Seguirono Le soldatesse (1965), dal romanzo di Ugo Pirro sulle prostitute di guerra, Seduto alla sua destra (1968), su un dramma del colonialismo in chiave evangelica; La prima notte di quiete (1972). Z. riconferma il gusto per la sintonia tra cinema e letteratura con Il deserto dei tartari (1976) dal romanzo di Dino Buzzati.
Nei suoi film spicca la raffinatezza del gusto figurativo e le accurate inquadrature. Negli ultimi anni della sua vita è stato insegnante al Centro Sperimentale di Cinematografia.

Piccolo cabotaggio (3) – Continua

Venezia e Visconti

di Tano Pirrone http://www.ponzaracconta.it/2017/02/26/piccolo-cabotaggio-2-venezia-e-visconti/

Oggi prima tappa del nostro viaggio da un’“ascella” all’altra della nostra Bell’Italia. In prima battuta affronteremo il film più “coriaceo” della dozzina programmata, che è anche, a mio vedere, uno dei film più complessi e che ha fatto scrivere fiumi d’inchiostro.
Ho cercato di essere “leggero”, non so se ci sono riuscito. C’è spazio nei commenti per dirmi, anche brevemente, la vostra. Gute reise, bon voyage, buon viaggio.
T. P.

Alla Recherche dell’Isola perduta

Lido di Venezia: “Nome dato alle lunghe isole formanti il cordone litoraneo delle lagune venete, e particolarmente l’isola, o freccia litoranea, della laguna di Venezia, coi forti di S. Nicolò, Quattro Fontane, Alberoni e con Malamocco. Sono formate da detriti trasportati dal Brenta e dagli altri fiumi veneti, respinti dalla marea. Bei giardini, grandi stabilimenti balneari. Ab. 4000” (1).

Grazie al favorevole clima estivo e alla purezza dell’acqua sin dalla metà del XIX secolo divenne località balneare. Nel 1857 fu costruito il primo stabilimento balneare, seguirono vari insediamenti e nel 1900 fu inaugurato il Grand Hotel des Bains, che fra tanti ospiti illustri annoverò Thomas Mann, lo scrittore tedesco, premio Nobel per la letteratura nel 1929.

La vocazione turistica internazionale del Lido fu confermata e sviluppata dalla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, fortemente voluta da Mussolini e inaugurata nel 1932, e dall’apertura, qualche anno dopo, della sede del Casinò di Venezia.
Thomas Mann vi ambientò il racconto Der Tog in Venedig (La morte a Venezia) (2), che Luchino Visconti ridusse nel film di cui oggi parliamo: Morte a Venezia (1971) (3), secondo capitolo della “trilogia tedesca”, preceduto da La caduta degli dei (1969) e seguito da Ludwig (1973).

Di nobili origini, Luchino Visconti di Modrone per alcuni suoi film scelse ambienti aristocratici e alto borghesi (fra questi, i tre citati). I contenuti, però, non sono mai aristocratici. Molto attento e sensibile ai temi sociali e psicologici, Visconti costruì i suoi film come testimonianze della sua convinzione che “il vecchio mondo dell’aristocrazia doveva tramontare perché solo pochissimi potevano partecipare ai suoi splendori e che la nuova democrazia borghese e la sua morale non fanno altro che legittimare una forma banale dell’individualismo del possesso.(4)”

Il progetto di portare sullo schermo il testo di Mann Visconti lo accarezzava da tempo, ma l’ansia di realizzarlo divenne man mano più urgente con la crisi di un’incipiente vecchiaia e in sintonia con le tematiche del racconto. Non solo l’innamoramento senile del protagonista per un bellissimo adolescente, ma forse, ancor più il conflitto fra estetica e etica. Il racconto di Thomas Mann rispondeva perfettamente alle sue esigenze espressive. E rappresentava un ultimo passo per giungere alla rappresentazione della Recherche di Proust.
Il flusso del tempo che scorre lungo le pagine della Recherche è lo stesso che trascina Aschenbach verso l’ossessione e la morte. E con il soggiorno a Venezia del protagonista e di sua madre iniziava la prima stesura della sceneggiatura scritta con Suso Cecchi d’Amico. Nel 1971 se ne andarono assieme in Francia a cercare i luoghi in cui girare il film.
Visconti morì senza aver potuto portare a termine il suo progetto proustiano. Forse, dentro di sé, aveva sempre saputo che non l’avrebbe mai realizzato. Forse amava e conosceva troppo bene Proust per pensare realmente di poterlo traslocare sullo schermo.
Il tema che legava Morte a Venezia e la Recherche era chiaramente l’omosessualità e quello “di fare dell’omosessualità, dell’amore omosessuale, del desiderio omosessuale, della gelosia omosessuale, l’unico, formidabile motore che fa girare e accendersi di luci volta a volta esaltanti e sinistre l’immenso planetario della Recherche…(5)”.

Ci sono nel film di Visconti altri richiami al libro di Proust, ma è l’atmosfera storica che si sovrappone con particolar forza.
Il 1911, l’anno in cui si svolge il film è, per esempio, lo stesso in cui sono scritte le prime pagine della Recherche. E in quei mesi Thomas Mann scrive il suo racconto, il cui protagonista è lo scrittore cinquantenne Gustav von Aschenbach, nominato conte dal Kaiser e autore tra gli altri di un romanzo Un miserabile, col quale intendeva additare ai giovani “la via della risolutezza morale”. Più che assomigliarsi a Nietzsche o a Strindberg – suoi contemporanei – appare uno dei tanti intellettuali borghesi a cavallo del ’900, che ignoravano di essere infetti di decadentismo. Così il dramma di Aschenbach rimane il dramma di valori non tanto intellettuali quanto etico-sociali. E il colera che scoppia in un’antica sede della cultura europea come Venezia simboleggia appunto lo scoppio mortale dell’estetismo in un animo attaccato ai valori tradizionali. Luchino Visconti ha colto la contraddizione e sostituito lo scrittore manniano con la figura di un intellettuale esteta, musicista famoso nel quale è adombrata la figura del compositore austriaco Gustav Mahler(6). Lo stesso Mann, profondamente turbato dalla morte di Mahler, avvenuta durante il suo soggiorno a Venezia, diede al protagonista il nome e la fisionomia del compositore, pur ponendo attenzione affinché le allusioni non diventassero esplicite.

L’altero protagonista (Dirk Bogarde), reduce da un periodo di crisi, si reca per una vacanza al Lido di Venezia, dove soggiorna all’Hotel des Bains. Subito è attratto da un adolescente “di una bellezza perfetta”, con una capigliatura “come quella dello Spinario capitolino(7)”.
Tadzio(8), questo è il nome del fanciullo fa parte di una famiglia polacca alto borghese o nobile e la cui madre è una straordinariamente bella e regale Silvana Mangano.

Il professore comincia a seguire l’adolescente con lo sguardo, nell’albergo e sulla spiaggia, e ne è ambiguamente ricambiato. Turbato da questa passione e oppresso da uno scirocco senza fine, Aschenbach si decide a ripartire, ma un contrattempo lo fa desistere. Riprende il giuoco degli sguardi e degli inseguimenti. A Venezia, intanto, emergono segni di un’epidemia di colera. Gustav rinuncia ad avvertire la famiglia di Tadzio, ricade in una profonda depressione, e cerca di riparare ai guasti del tempo e della depressione con un trucco pesante, che lo rende ridicolo alla vista.                                                Stremato, sulla sdraio, segue  il giovane efebo sulla spiaggia  e muore, il trucco disciolto  sul viso, come una  maschera grottesca.

La tendenza a rappresentare il grottesco, è molto presente nella trilogia tedesca non tanto per una particolare predilezione estetica (in quanto spirito radicalmente ottocentesco Visconti rimarrà fedele ad altre tendenze artistiche), ma soprattutto perché l’espressionismo tedesco, meglio e più di altre, esprimeva quella inquietudine che attraversava la società tedesca del primo Novecento e che il regista voleva rappresentare.

La puntigliosissima preparazione di ogni particolare e la raffinata capacità di ricreare ambienti, costumi, atteggiamenti non poteva trascurare questo aspetto. La figura del vecchio gitante allo sbarco dal battello, il direttore dell’Hotel des Bains (ricalcato sull’omologo di Balbecin Proust), il suonatore girovago, che sembra preso in prestito da Fellini; lo stesso Aschenbach dell’ultima parte, che si fa imbonire dal barbiere e scivola in un grottesco umiliante, ributtante. E l’ultima scena della morte, in cui senza pietà, i coloranti ed il cerone lo imbrattano e gli tolgono l’ultima parvenza di dignità.

I luoghi in cui si svolgono tanto il racconto che il film sono ben conosciuti dal regista, che vi trascorreva fanciullo (e se in Tadzio abbia voluto raffigurare se stesso adolescente?) le vacanze con la madre; e prima da Thomas Mann che vi soggiornava nel 1911 e maturava l’ispirazione del racconto. Ma anche Mahler vi soggiornò. Venezia e il suo Lido.

Tutto il film è segnato dalla presenza autorevole e dinamica dei luoghi. Il Lido, la sua spiaggia, il magnifico Hotel des Bains sono gli scenari straordinari che fanno da palcoscenico anche alla sfilata di personaggi che provengono dalla memoria di Visconti. La società, gli eventi, gli stessi luoghi rimangono sullo sfondo ed il protagonista rimane costantemente in primo piano, osservato in tutte le sue componenti etiche e intellettuali. Si affievolisce il profilo umano e sociale della sua personalità e un’analisi critica della sua condotta in rapporto alla società e alla storia, riducendosi, come sottolineato da alcuni critici ad una specie di “narcisismo”, di autocompiacimento formale. Visconti commenta la storia di Gustav, completando un unicum di rara qualità, con la musica di Mahler: il Quarto Tempo della Terza Sinfonia, l’Adagettodella Quinta Sinfonia, che ricorre nei momenti salienti del film; e brani di altri autori: la Ninna Nanna di Modest Mussorgski, cantata senza accompagnamento musicale, Per Elisa di Beethoven, suonata al pianoforte in due scene, Chi vuole con le donne aver fortuna di Armando Gil, suonata e cantata dalla piccola banda di girovaghi nella veranda dell’Hotel, La Vedova allegra di Franz Lehár (il valzer e l’aria della Veljia).

In chiusura, sono “costretto” ad utilizzare, per debito di riconoscenza, stima e amicizia, le parole conclusive del saggio ‘Morte a Venezia’ secondo la critica, di Francesco Bono e Gianni Sarro; saggio che ho letto a scrittura ultimata, ad ormeggi ormai sciolti: “…In primo piano era già apparso più volte il particolare di una macchina fotografica, che ora chiude Morte a Venezia.
“Una propria cifra simbolica”, suggerisce Sergio Frosali, una “chiara allusione al fatto che quello che per Mann era la letteratura e per Mahler la musica”, è stato per Visconti il cinema; “una sigla autografa apposta in calce all’opera”.

Spinario. Palazzo dei Conservatori, Musei Capitolini; figura intera e (sotto) particolare del viso

Bibliografia

(1) Dizionario di Cognizioni Utili (Vol. 3, H-M, pag. 509), nuova edizione stereotipa del 1925. Il dizionario fu pubblicato a partire dal 1905. Le informazioni riportate si riferiscono pertanto proprio al periodo in cui sono ambientati racconto e film.

(2) Einaudi editore, ET classici, a cura di Marino Freschi, traduzione di Anita Rho

(3) Regia di Luchino Visconti. Sceneggiatura: Nicola Badalucco e Luchino Visconti. Fotografia: Pasquale De Santis. Montaggio: Ruggero Mastroianni. Scenografia: Ferdinando Scarfiotti. Con: Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach), Björn Andrésen (Tadzio), Silvana Mangano (madre di Tadzio), Romolo Valli (direttore dell’albergo).
Il DVD del film è uscito in edicola il 17/12/2016, nella collana “Il cinema di Luchino Visconti” edita da “Il Cinema di Repubblica – L’Espresso. La Warner Bros Entertainment lo ha pubblicato nella collana I Grandi Registi.
Riconoscimenti:
1971 David di Donatello
Migliore regista a Luchino Visconti
1971     Nastro d’argento
Regista del miglior film a Luchino Visconti
Migliore attrice non protagonista a Silvana Mangano
Migliore fotografia a Pasqualino De Santis
Migliori costumi a Piero Tosi
Nomination Migliore attore non protagonista a Romolo Valli
1971     Globo d’oro Miglior film a Luchino Visconti
1971     Festival di Cannes
Premio del 25° anniversario a Luchino Visconti
Nomination Palma d’oro a Luchino Visconti
1972     Premio Oscar
Nomination Migliori costumi a Piero Tosi
1972     Premio Bafta
Miglior fotografia a Pasqualino De Santis
Migliore scenografia a Ferdinando Scarfiotti
Migliore colonna sonora a Vittorio Trentino e Giuseppe Muratori
Migliori costumi a Piero Tosi
Nomination Miglior film
Nomination Migliore regia a Luchino Visconti
Nomination Migliore attore protagonista a Dick Bogarde

(4) Bernd Kiefer (in: “Die Sehnsucht nach dem Schönen”, tradotto da Wolfgang Pruscha).

(5) Giovanni Raboni, Introduzione alla sceneggiatura definitiva, Mondadori, Milano, 1986

(6) Entrambi, Aschenbach nel film – e possiamo dire anche nel racconto (che è del 1912) – e Mahler muoiono nel 1911.

(7) Lo Spinario è un’opera ellenistica di scultura, raffigurante un giovane seduto mentre, con le gambe accavallate, si sporge di fianco per togliersi una spina dalla pianta del piede sinistro. Ne esistono varie versioni sparse nei musei di tutto il mondo. Quella forse più antica, in bronzo (73 cm di altezza), si trova ai Musei capitolini a Roma.

(8) Nel 1970 Visconti effettua i provini per la ricerca dell’attore che deve interpretare il ruolo del fanciullo polacco. Frutto della ricerca il documentario “Tadzio” diretto dallo stesso Visconti e prodotto dalla Rai per la rubrica Cinema 70. Il documentario è disponibile al seguente indirizzo: http://www.raiscuola.rai.it/articoli/visconti-e-thomas-mann-il-personaggio-di-tadzio/8188/default.aspx

[Piccolo cabotaggio (2). Venezia e Visconti – Continua]

Piccolo cabotaggio (2). Venezia e Visconti: continua

La Fame nel cinema italiano, seconda parte

di Gianni Sarro http://www.ponzaracconta.it/s=gianni+sarro+la+fame+nel+cinema+italiano+seconda+parte&submit.x=16&submit.y=5

I soliti ignoti e Il sorpasso

Iniziano gli anni cinquanta, la breve ed intensa parabola del Neorealismo si esaurisce, ma la semina è stata feconda e il raccolto generoso. Il cinema italiano s’avvia a conoscere la sua età dell’oro; da un lato crescono e si affermano registi come Fellini e Antonioni, dall’altro Risi e Monicelli, mentre tra gli sceneggiatori comincia ad apparire il nome di un giovane venuto dal sud, si chiama Ettore Scola e ne riparleremo a breve.

Il nostro viaggio cine-culinario arriva al 1958, anno in cui esce un altro capolavoro I soliti ignoti, diretto da Mario Monicelli che ha al suo attivo già un bel numero di film, alcuni di ottima fattura, come Totò e Carolina, del 1955.
Il nostro cinema ha inaugurato quel fortunato filone che Lino Miccichè ha brillantemente definito come Commedia all’italiana, genere contenuto nel macro-genere della Commedia, le cui caratteristiche sono quelle di avere un’accentuata attenzione verso le problematiche sociali declinate in una comicità a volte così aspra e corrosiva, da risultare più efficace di tanti pensosi pamphlet.
Il Belpaese ritratto nella prima Commedia all’italiana è ancora segnato dagli sconci della guerra e del ventennio fascista, si vive un po’ meglio dell’immediato dopoguerra, ma la miseria è ancora tanta, e la fame anche.

In questo senso I soliti ignoti è un film ponte, che unisce due Italie, quella dell’immediato secondo dopoguerra, rurale, povera, profondamente analfabeta, con quella sull’orlo dell’effimero boom degli anni ’60. Emigrazione interna e tv hanno in un modo o nell’altro amalgamato gli italiani. Comincia a diffondersi un tenue benessere, ma si palesano anche contraddizioni sociali che esploderanno da lì a poco. Il film di Monicelli va ricordato anche per la consacrazione di quello che è uno dei più grandi attori di teatro del momento, ma che col cinema non ha ancora instaurato un grande feeling, Vittorio Gassman. Tuttavia la maschera che c’interessa di più è quella del napoletano Capannelle (Carlo Pisascane (sic!), ma pochi lo conoscono col suo nome!): con la sua fame atavica ci racconta che l’Italia è abitata da sacche di povertà dove il riempire la pancia è ancora il primo problema.

Capannelle ha sempre fame, come vediamo nella scena corale dove Mastroianni ha in braccio il figlioletto e Capannelle sgraffigna qualche biscotto dell’infante. Comico, sicuramente, ma anche graffiante, nel suo affermare che il primordiale bisogno di mangiare è tutt’altro che sotto controllo.

Il momento clou il film lo raggiunge nell’indimenticabile finale. La scalcinata banda di ladri (tra gli interpreti a far compagnia a Gassman e Capannelle troviamo Marcello Mastroianni, Renato Salvatori, Tiberio Murgia e Totò) decide di rapinare un Monte di Pietà, la cui sede confina con un appartamento. Architettano il colpo in ogni minimo dettaglio, forano la parete di un appartamento vuoto che confina con la cassaforte, ma si ritrovano nella cucina dello stesso appartamento. La rapina è andata male, ma il gruppo di scalcinati ed inadeguati ladruncoli può almeno consolarsi con un piatto di pasta e ceci.

La scena è costruita magistralmente da Monicelli: il gruppo di scassinatori capitanato da Gassman è riunito in una stanza e ha costruito un complicato marchingegno per abbattere la parete che li divide dalla cassaforte. Quando la tensione raggiunge il climax Peppe er pantera (Gassman) chiede a Capannelle di andargli a prendere un bicchiere d’acqua. Passano alcuni secondi, la parete crolla… e cosa vediamo? Capannelle in cucina! I nostri hanno buttato giù la parete sbagliata. Ma l’aspetto che ci interessa di più è quello che vede chi altri se non l’affamato cronico Capannelle nel tempio del cibo, ossia la cucina.

Tre anni dopo, è il 1961, esce Il sorpasso, Risi mette in scena un’italietta spensierata e cicaleggiante, quella dell’effimero boom dei primi anni sessanta che ha il volto bello e sfrontato di Vittorio Gassman.
Risi incanaglisce la maschera comica che Monicelli aveva costruito per il Mattatore ne I Soliti Ignoti: più che velleitario ed ingenuo qui Gassman è cinico, furbastro, affabulatore.
Tra gli sceneggiatori del capolavoro di Risi troviamo Ettore Scola.

L’Italia ha raggiunto il benessere, il film è ambientato a Ferragosto, giorno di festa deputato allo svago e all’abbuffata. Nell’itinerario che compiono i due protagonisti (Trintignant affianca Gassman) – non dimentichiamo che Il sorpasso è un road-movie – trattorie, picnic, feste campagnole, banchetti in spiaggia fanno da fil-rouge. Tuttavia Bruno e Roberto sembra destinati a non riuscire a mangiare; vuoi perché un ristorante è chiuso, vuoi perché un altro è pieno, la loro ricerca sembra destinata a rimanere frustrata. I due occasionali amici arrivano così a Civitavecchia dove finalmente soddisfano il loro stomaco.

La scena del pranzo è ambientata in due spazi, la cucina dove l’inarrestabile Bruno s’introduce a portare scompiglio e poi nella terrazza dove ci sono i tavoli. Il pranzo è servito sotto forma di un’appetitosa zuppa di pesce, ma il cibo, nel momento in cui è stato raggiunto, sembra perdere l’importanza che aveva nei primi tre film che abbiamo analizzato. Infatti i due protagonisti siedono al tavolo distratti, Gassman alterna un boccone ad una boccata di sigaretta, mentre vagheggia una breve avventura con la cameriera del ristorante. Trintignant sbocconcella il suo piatto svogliatamente, mentre è perso dietro pensieri crepuscolari.

Un atteggiamento impensabile per Pina in Roma città aperta, per il piccolo Bruno in Ladri di biciclette, per Capannelle in I soliti ignoti, che avevano per il cibo un rispetto ai limiti della venerazione, davanti al pane, alla mozzarella in carrozza o alla pasta e ceci non c’era spazio per nient’altro, per nessuno.

Qui da YouTube la scenetta del passaggio al “villico” col sigaro puzzolente. Il film ‘lanciò’ tutta una serie di modi di dire, già il termine ‘villico’, ma anche… “Nun core ’sta machina” …quante volte l’abbiamo sentito?
Lo stesso “villico” poi passò alla televisione a fare la pubblicità dell’uovo da bere:

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di Tano Pirrone http://www.ponzaracconta.it/2017/02/19/piccolo-cabotaggio-1-presentazione/

Presentazione di sandrorustico “Io lavoro al bar / di un albergo a ore…”

Come attività principale io faccio il capo-redattore di un sito web. Il mio lavoro è convincere le persone a scrivere; con qualcuno è più facile, con altri quasi impossibile (…e tutte le sfumature intermedie).Ovviamente non tutti gli argomenti interessano allo stesso modo i miei lettori (rudi isolani dai modi spicci e poco inclini ai voli di fantasia).Con Tano è stato sfondare una porta aperta. Lui legge, si documenta, ma poi quello che butta giù va bene: “buona la prima!”Così abbiamo concordato, per un sito isolano che però ha l’ambizione di essere letto anche fuori dall’isola – un viaggio in barca lungo la penisola – piccolo cabotaggio, appunto – in cui lui potesse raccontare i ricordi e i rimandi che le sponde gli evocavano.I suoi scritti si sono nutriti, nel corso del viaggio, di associazioni personali e di molto cinema, e questo spiega il trasferimento delle sue “puntate” su questo blog…Buona navigazione!

Recalcitrante ho accettato l’invito di preparare una serie di articoli in cui fosse collegato un film ad un’isola. La mia resistenza era dettata dalla difficoltà che intuivo non facilmente superabile di trovare costantemente, nell’intera serie, per ognuna delle coppie un nesso fra l’elemento “isola” – retoricamente interpretata come simbolo di separatezza compiuta e di irrinunciabile identità – e un prodotto artistico, che superato l’angusto limite della missione di intrattenimento affermasse la sua vera e profonda essenza di metafora comunque collegabile con il primo.
Questa difficoltà, irrisoria, se la scelta è libera (una qualunque isola del mondo, fra le più note e uno dei film che l’ha avuta come location), diventa difficoltosa se si preferiscono 12 isole italiane, in un percorso che va dall’alto Adriatico al Mar Ligure. Non solo isole grandi e note con una storia cinematografica lunga e consistente, ma anche isole piccole e addirittura scogli. Il criterio di abbinamento è necessariamente vario, ma confido che trovi benevolenza nei miei sei lettori, disposti ad imbarcarsi in questo breve viaggio. Laddove mancherà il forte nesso logico, mi auguro si dia merito all’inventiva.
Scrivo “imbarcarsi” proprio perché quello che ho immaginato è un viaggio, neanche breve, lungo i mari che bagnano la nostra penisola; un percorso in massima sicurezza, costa costa, da piccolo porto a piccolo porto, che trova riscontro e giustificazione nel titolo di questa rassegna: Piccolo cabotaggio.
Voglio riportare la definizione di “cabotaggio” non come chiaramente si evince in un modernissimo dizionario, dallo Zanichelli a Wikipedia, dal Treccani al Gabrielli, ma come è riportato nell’antico “Dizionario di cognizioni UTET” di cui ho parlato – con affetto – in un mio articolo del 22 agosto 2013 “Che farò senza faro?”
Nel primo dei sei volumi “A – C”, a pag. 572, alla voce cabotaggio, si legge: “Navigazione che si fa lungo le coste del mare da capo a capo, da porto a porto. Il cabotaggio distinguesi d’ordinario in grande e piccolo. Il piccolo è la navigazione di commercio che si fa da un porto all’altro con piccoli bastimenti senza uscire dal medesimo Stato o almeno senza allontanarsene molto. Per grande cabotaggio si intendono in complesso quei viaggi che passano i limiti del piccolo, senza però essere viaggi di lungo corso (…)”
Lasceremo alla prossima occasione, se ci sarà, viaggi più impegnativi in mari più esotici e meno conosciuti, di grande cabotaggio o di lungo corso.
Tracciamo, pertanto, il viaggio e presentiamolo per sommi capi: da Venezia scenderemo per l’Adriatico, giungeremo al centro del Mare Nostrum e poi risaliremo per effettuare il giro della Sicilia, toccando prima Ustica, poi le Eolie e su, costeggiando, ci lasceremo sulla destra le isole Ponziane (che questa volta fanno “solo” da spettatori”) per far scalo nell’Arcipelago Campano, sostare in Sardegna, e completare il prudente viaggio nell’Arcipelago Toscano.

Ed ora gli abbinamenti:
1. Venezia e il Lido: Morte a Venezia di Luchino Visconti, 1971
2. Isole Tremiti: Isole di Stefano Chiantini, 2011
3. Lampedusa: Fuocammare, docufilm di Gianfranco Rosi, 2016
4. Isola piccola (Marzamemi, Sicilia): Sud di Gabriele Salvadores, 1993
5. Ustica: Gramsci 44; documentario di Emanuele Barbucci, 2016
6. Lisca Bianca (Isole Eolie): L’avventura di Michelangelo Antonioni, 1960
7. Ischia: Vacanze ad Ischia di Mario Camerini, 1957
8. Capri: Il disprezzo di Jean –Luc Godard, 1963
9. Budelli: Deserto rosso di Michelangelo Antonioni
10. Giglio: Farfallon di Riccardo Pazzaglia, 1974
11. Elba: N (Io e Napoleone) di Paolo Virzì, 2006
12. Montecristo: Il Conte di Montecristo di Josée Dayan, 1998
Bene! Alla prossima settimana, allora con Morte a Venezia. Non molto allegro, tutt’altro, ma è un vero capolavoro, uno dei tanti dell’indimenticabile Maestro.

Un viaggio affascinante nel quale vogliamo avventurarci, potrebbe essere quello nella storia, la storia attraverso i film : e sarà questo l’oggetto di alcuni interventi di Gianni Sarro , la storia raccontata dai film , cominciando da alcune tematiche del dopoguerra,  di cui troviamo moltissime immagini nei film del neorealismo :

La fame nel cinema italiano (prima parte) di Gianni Sarro
http://www.ponzaracconta.it/2019/03/19/la-storia-narrata-dal-cinema-4a-la-fame-nel-cinema-italiano/