28 MARZO, 2017

di Tano Pirrone
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Prima di salpare, come in un ideale alzabandiera, G., S. ed io, schierati sulla tolda e rivolti verso la costa, rivolgiamo un pensiero al “compagno” Federico Hohenstaufen, nato il 26 dicembre 1194 a pochi chilometri in linea d’aria, nella pubblica piazza di Jesi, da Costanza d’Altavilla e da Enrico IV di Svevia.
Lo Stupor Mundi, meraviglia del mondo, per discendenza materna normanno e nipote dei grandi Ruggero I di Sicilia e Federico Barbarossa – pur con inevitabili contraddizioni – fu cerniera fra passato e futuro.

Statua sulla facciata del Palazzo Reale di Napoli: Federico II di Svevia – Hohenstaufen (Federico II imperatore del Sacro Romano Impero, Federico I di Sicilia), re di Napoli

Uomo di “multiforme ingegno” compì un’operazione vasta ed incisiva di contrasto verso l’ingovernabile status quo e di ammodernamento delle strutture burocratiche e di controllo del territorio. Seppe essere, al contempo, sovrano feudale in Germania e costruttore dell’Italia meridionale, che divenne lo stato più progredito del XIII secolo

La riforma dello stato si basò sulle Constitutiones Melphitanae, che stabilivano, appunto, la supremazia della monarchia su quella dei baroni, dei Comuni e della Chiesa. La fioritura di castelli (circa 200) non fu mania di sovrano folle – come nel caso di Ludovico II di Baviera, il Ludwig di Visconti⁽¹⁾, – ma il tentativo, riuscito, di frenare la boria e lo strapotere dei baroni, di superstiti enclavi musulmane e della Chiesa. Gioielli architettonici che ci restano come memoria della Storia divenuta Leggenda, di una insuperabile capacità di “produrre” bellezza, di superba abilità di cambiare il corso della Storia e di aprire “porte” verso il futuro⁽²⁾.

Salutiamo a pugno chiuso, il braccio sinistro alzato, il Puer Apuliae, e salpiamo con calma dal porto turistico di Ancona. In poco tempo ci troviamo a babordo l’incombente maestosità di Monte Cònero. 572 metri di altezza sarebbero veramente pochi, insufficienti, per meritarsi l’appellativo di Monte. Ma il Cònero ha tali e tante caratteristiche che è più che lecito attribuirgli indiscutibilmente quel titolo. È, insieme con il Gargano, il più importante promontorio dell’Adriatico. Le sue rupi marittime sono le più alte di tutta la costa orientale: pareti a picco sul mare, boschi fittissimi e ben curati, sentieri, calette, approdi. Ha una solennità che appartiene soltanto ai monti e per questo il Cònero è Monte a tutti gli effetti.
Parco dal 1987, è amatissimo dai marchigiani e meta di escursionisti e vacanzieri, amanti della natura, delle specialità culinarie e degli ottimi vini.
Il nome Cònero origina dal nome greco (sempre loro!) del corbezzolo – kòmaros -, pianta caratteristica della macchia mediterranea. C’è anche un forte napoleonico (i forti napoleonici sono diffusi – quasi – come le case in cui ha dormito Garibaldi).

Dal Cònero al Gargano la costa si riabbassa per elevarsi un po’ verso Grottammare.
Transitando poco dopo davanti Porto Recanati, G. con l’yiddish humourche contraddistingue le sue battute, insieme al fumo della pipa, emette sospettoso: «Mi sento osservato. Voi?».
Anni di autodifesa dalla glacialità fulminante di G. mi forniscono subito la chiave per capire a cosa si sta riferendo: «Il giovane favoloso, operoso all’infinito?».
G. annuisce soddisfatto: «Passiamo di qua in barca una volta nella vita e non vogliamo rendere il giusto omaggio a Giacomino nostro?».
Non possiamo dargli torto. Ogni tanto, passeggiando per Villa Borghese cominciamo a declamare le poesie di autori classici imparate a scuola e allora giù con In morte del fratello Giovanni, A Silvia, Il sabato del villaggio…

Parliamone, allora, alla nostra maniera, citando Mario Martone e il suo film Il giovane favoloso, 2014.

Martone è uomo di teatro⁽³⁾ e di cinema. In entrambi i campi ha realizzato opere di gran pregio artistico e di elevato spessore umano, civile, e culturale. La sua carriera di regista di lungometraggi, costantemente di altissima qualità, ha inizio nel 1992 con Morte di un matematico napoletano; seguono L’amore molesto (1995), Teatro di guerra (1998), L’odore del sangue (2004), Noi credevamo (2010), Il giovane favoloso (2014).

La vita di Giacomo è un susseguirsi di siepi difficili da superare: il padre severo che non ha nelle proprie corde il confronto con il mondo esterno, la madre bigotta e anaffettiva, il borgo che lo tiene prigioniero, la malattia che lo separa da sé stesso e dagli altri, l’incomprensione di gran parte degli intellettuali del tempo. Un sistema che prende la forma di Natura ostile.
Martone segue Leopardi dalla fanciullezza alla morte, dedica alla permanenza a Recanati la prima ora di film, in un’eco dell’Amadeus di Milos Forman, poi Firenze, dove incontra l’amata Fanny e Antonio Ranieri, il soggiorno di pochi mesi a Roma e la tappa conclusiva di Napoli, (sovrabbondante, a mio avviso, ai fini dell’equilibrio narrativo).
Elio Germano trova invece un perfetto equilibrio interpretativo e traduce magnificamente il Leopardi dei libri e delle biblioteche in immagini e parole comprensibili e moderne: Germano interpreta i versi del Poeta senza declamarli, riconducendoli al contesto in cui sono stati concepiti e restituendo loro la capacità emotiva di chi allora li scrisse per chi oggi li legge o li ascolta. Film colto, scandito da ritmi e modalità teatrali, inquadra in pieno la modernità di Leopardi ed il suo invito a guardare oltre ogni confine «che da tanta parte dell’ultimo orizzonte il guardo esclude»⁽⁴⁾.Premi attribuiti: Film dell’anno al Nastro d’argento 2015; Miglior film al Globo d’oro 2015; Ciak d’oro 2015 per Miglior film e Migliore sceneggiatura; David di Donatello 2015 ad Elio Germano come miglior attore protagonista.

Filiamo piacevolmente, ansiosi di arrivare alla destinazione conclusiva del tratto adriatico.
Più giù ecco San Benedetto del Tronto, in cui ho soggiornato, ospite di cari amici: cittadina a forte vocazione turistica, pulita, ordinata, efficiente, con un’ottima offerta di servizi e meritata e diffusa rinomanza. Superata la foce del Tronto, costeggiamo l’Abruzzo: Roseto degli Abruzzi, covo ritempratore di A., indomabile fattrice di haiku; Pescara, la costa dei Trabocchi⁽⁵⁾, da Francavilla al mare fino a Vasto, alla cui altezza viriamo per San Domino, la più grande e la più abitata delle Isole Tremiti

Viaggiare in barca è piacevole se i compagni di viaggio sono “compatibili”, e l’equipaggio efficiente e discreto, il mare buono, il vento dosato alle nostre esigenze, i punti di partenza e di destinazione non troppo lontani, se la distanza dalla costa è tale da non perderla mai di vista e sentire, quando il vento soffia da terra, profumi conosciuti, che pur lievi si mischiano al salmastro. Parliamo, con G. e S. di politica, di libri, di film, degli amici del “Comitato Centrale” che sono rimasti a terra e attendono il nostro ritorno.

Ora parliamo, sfiorando l’Abruzzo, dell’immane tragedia che ha colpito le terre del Centro Italia. Siamo tutti oltre i 70, abbiamo memoria di tante altre “tragedie” simili che hanno ferito il nostro Paese e che si ripetono costantemente come in un tragico gioco, con gli stessi rituali: la disperazione, il lutto, la solidarietà, i discorsi, le promesse, l’infinita litania dei luoghi comuni, pasto fertile per la demagogia endemica di un popolo che ripete all’infinito la stessa partitura.
Mio padre nacque nel 1907 e l’anno dopo ci fu il terremoto e maremoto di Messina e Reggio Calabria. Negli anni novanta viaggiando in treno si vedevano ancora le baracche “provvisorie”.
Soltanto in Friuli ho visto affrontare con dignità, efficienza e – diciamolo pure – onestà il sisma del 1976. Dieci anni dopo, ospite di amici a Gemona, venivo guidato sui luoghi a visitare – non rovine persistenti – ma abitati ricostruiti e fabbriche, stalle, laboratori, di nuovo attivi; e ripristinati i cicli produttivi.
Ho amici carissimi che lavorano nella Servizio di Protezione Civile; a loro ho chiesto come facciano le “Autorità” a non comprendere che se nelle terre distrutte si lasciano morire le bestie, inaridire i campi, chiudere le officine e i laboratori non può esserci ricostruzione: quelle terre saranno morte per sempre.

Il loro imbarazzato silenzio mi fa parlare di altro, di cani, di cinema…

Note

1. Ludwig è un film del 1973 diretto da Luchino Visconti sulla vita di Ludovico II di Baviera. Interpretato da Helmut Berger, Romy Schneider, Trevor Howard e Silvana Mangano. È il terzo e ultimo film della “trilogia tedesca”, di cui fanno parte anche La caduta degli dei (1969) e Morte a Venezia (1971). Il DVD del film è uscito in edicola l’11/02/2017, nella collana “Il cinema di Luchino Visconti” edita da «Il Cinema di Repubblica – L’Espresso». Si trova su Amazon, Ibs, La Feltrinelli a prezzi equivalenti
2. Una figura storica di tanto rilevo non ha incuriosito il cinema. Esiste, in base alle ricerche effettuate, un solo film TV, italiano, del 2007 diretto da Paolo Bianchini: Il giorno, la notte, poi l’alba. Tratta di un presunto incontro avvenuto fra Federico e Francesco d’Assisi. Una nota completa ed esauriente può leggersi sul sito Stupormundi.it specializzato in questioni federiciane.
3. Regista di: Faust o la quadratura del cerchio, 1976; Otello del 1982; Coltelli nel cuore, 1986 da Brecht; Ritorno ad Alphaville, 1986 da Godard; Filottete di Sofocle nel 1987; Riccardo II di Shakespeare nel 1997; fondatore e animatore di gruppi teatrali; direttore artistico del Teatro Stabile di Torino dal 2007 ad oggi; regista di opere liriche: Don Giovanni (2002) e Le nozze di Figaro(2006 di Mozart, Torvaldo e Torliska (2006) di Rossini fino alle più recenti (2016) Morte di Danton di Buchner, La cena delle beffe di Giordano e Tre risvegli di Cavalli – Colasanti.
4. Si acquista con estrema facilità su Amazon (€ 16,92), su Ibs, La Feltrinelli (€ 9,99) ecc.
5. È così chiamato il tratto di costa della provincia di Chieti che va da Francavilla al Mare fino a San Salvo, passando per Ortona, Fossacesia, San Vito Chietino e Vasto. Deve il suo nome alla macchina da pesca su palafitta. Ringrazio della segnalazione il mio amico O. sempre curioso e generoso di informazioni.

[Piccolo cabotaggio (5). Da Ancona alle Tremiti – Continua]

19 MARZO, 2017d

di Tano Pirrone
https://www.ponzaracconta.it/2017/03/19/piccolo-cabotaggio-4-da-rimini-ad-ancona/

 – Non se ne parla nemmeno – disse G. premendo con decisione il tabacco nel fornelletto della pipa di turno – Manco da trent’anni da Rimini e non me ne vado senza aver fatto un giro per la città ed aver rivisto quel gioiello di architettura che è il Tempio Malatestiano. Neanche a parlarne!
Io che sto ad una barca come un luogo di meditazione sta al Bioparco di Roma nelle mattinate di sabato e di domenica, ero pienamente d’accordo. Ma stavo zitto, in surplace, perché sapevo che S. avrebbe preferito partire subito ed arrivare alle Tremiti il più presto possibile, in modo di starsene poi tranquillo in terraferma qualche giorno. Non era più abituato a passare tanto tempo su una barca, ché, con le gambe a pezzi che si ritrovava, la tolda non era proprio il posto migliore dove trascorrere le giornate. Gli mancavano il cane, la bicicletta e l’ozio sfottente delle mattinate passate al bar del Bioparco, anche se G. ed io ci davamo da fare per tenerlo su di tono.
S. cercava di coinvolgermi in questa decisione, perché sapeva che anch’io avevo difficoltà a camminare e che risentivo ancora della caduta di qualche giorno prima, proprio alla partenza dal Lido di Venezia. Non aveva torto. Lì, però, a poche centinaia di metri c’era, immobile e senza tempo, uno degli oggetti che amo di più, proprio quel Tempio, che G. voleva rivedere.
Stava ficcato al centro di una città bellissima e da tutti i cinefili amatissima. Mi arresi ancor prima che lo scontro cominciasse: sarei andato con G. in visita alla città. S. pur di non rimanere solo, accettò di aggregarsi, ponendo solo alcune condizioni organizzative utili a salvaguardare le ginocchia usurate dal tempo ma ancor più dal rugby. Fu così che chiamammo un taxi; pochi minuti dopo eravamo davanti al Tempio.

Troppo lunga la storia dell’edificio religioso, intrecciata con la storia di Rimini e delle famiglia detta Mala Testa, che dominò la città e buona parte della Romagna fino al 1528, troppo lunga per raccontarla in questa nota di viaggio. A noi importa ricordare l’artefice dell’“involucro”, il grande umanista Leon Battista Alberti, vissuto in epoca “precolombiana”, intellettuale colto, raffinato, emblema dell’uomo rinascimentale, incessante studioso dell’antico e infaticabile progettista di modernità, cantato da Roberto Rossellini nella terza puntata del programma per la televisione L’età di Cosimo, 1973 (L’esilio di Cosimo, Il potere di Cosimo e Leon Battista Alberti)⁽¹⁾.
Rossellini si era dedicato da tempo con coerenza a quelli che erano i suoi principi del neorealismo etico ed estetico che lo porterà sulla strada difficile del cinema antinarrativo e didascalico, trovando il miglior campo di applicazione nella televisione, cui si dedicherà costantemente fra il 1964 e il 1974⁽²⁾.
Rossellini ritiene che si debbano rintracciare nel passato, nelle grandi figure della storia, le ragioni del presente: meglio ancora i motivi fondamentali di una civiltà che rischia di naufragare e che proprio in quel passato può trovare una soluzione. La ricostruzione storica che egli fa non è mai erudita. Egli indaga nei fatti quotidiani, nei comportamenti. La narrazione cede all’osservazione: diventiamo spettatori e testimoni della vita quotidiana e degli atti minori, le difficoltà e le gioie che possiamo riconoscere come nostre.
La figura di Leon Battista Alberti è pedinata con discrezione ed efficacia a partire dal suo ritorno nella Firenze di Cosimo e fino al rientro a Roma, nel 1471, accompagnato dal giovane Lorenzo, signore di Firenze, nipote di Cosimo e attivamente impegnato a divenir “Magnifico”.
L’Alberti morirà l’anno successivo, lasciandoci in eredità i suoi saggi, e le sue opere architettoniche, fra cui, appunto il Tempio Malatestiano e, a Firenze, il completamento della facciata di Santa Maria Novella. In particolare il Tempio Malatestiano rappresenta, pur nella sua incompiutezza – e forse proprio o anche per questo – la sintesi del pensiero e della prassi del grande umanista, il culmine delle aspirazione umanistiche nell’architettura del rinascimento.

Non potevamo, visitato il Tempio, tornarcene subito al porto. Così ecco organizzato un giro della città, per rivedere alcuni splendidi gioielli, accumulati nel corso dei secoli: l’Arco di Augusto, il ponte di Tiberio, i palazzi gotici dell’Arengo e del Podestà, i palazzi Garampi, Gambalunga, Buonadrada, la fontana della Pigna e tanto altro e in questo tanto, in cima, il mitico Grand Hotel.

Torniamo alla barca, in tempo per godere della cenetta preparata da Alvise, il marinaio più anziano ed esperto, un sessantino segaligno e bruciato dal sole, onnisciente e tuttofare. Innaffiata, la cenetta, da un ottimo Romagna Albana, frigido e secco, quel tanto da permettere alla notte riminese di accoglierci ospitale e dolcemente cullante.

Salpiamo l’indomani, alle prime luci dell’alba, con calma, per passare in rassegna la costa da Rimini ad Ancona, che si allunga come un lungo pacifico arco. Mi viene in mente l’arco appena più lungo (il Longbow di Robin Hood?) con un estremo a Ferrara e la sua bassa e l’altro, appunto, ad Ancona. Lungo questo arco si svolge la storia di Gino Costa e di Giuseppe e Giovanna Bragana, i personaggi principali insieme con lo Spagnolo del primo film di Luchino Visconti, Ossessione⁽³⁾, 1943: dalla ex dogana, posta a pochi chilometri oltre il Po che da Ferrara porta a Padova, alla città degli Estensi, a Codigoro e poi, giù a Senigallia, dove Gino (Massimo Girotti) è nato; ad Ancona dove “fugge” dall’equivoca situazione creatasi con Giovanna (Clara Calamai) ed il marito Giuseppe (Juan de Landa, doppiato con accento romagnolo da Gino Cervi) e dove arriva con lo Spagnolo (Elio Marcuzzo). E poi c’è quel “più lontano possibile” dove lo Spagnolo gli consiglia di andare, presago della tragedia imminente; quell’ “imbàrcati … l’aria del mare ti sgombrerà la testa” consapevolmente suggerito, nella vaga speranza di dissuaderlo dalla passione che lo consuma e deprime.
Alle origini del film c’è il romanzo noir di James M. Caine “Il postino suona sempre due volte” (The Postman Always Rings Twice), 1934, da cui sono stati tratti, oltre Ossessione, il film del regista francese Pierre Chenal Le derniere tournant, 1939 e i due film omonimi Il postino suona sempre due volte di Tay Garnet, 1946 (con Lana Turner e John Garfield) e di Bob Rafelson, 1981 (con Jack Nicholson e Jessica Lange).

Buona parte della critica considera per certi versi Ossessione il capostipite del cinema neorealista. Può darsi. Ma il film, a mio avviso, si sostanzia dei dieci anni trascorsi da Visconti in Francia, dove collaborò attivamente con Carné e Renoir, e assume, da una parte, i connotati del noir francese, assimilandovi i connotati americani di Pavese, Vittorini ed Emilio Cecchi, dall’altra, trasferendo l’originaria ambientazione californiana nelle lande della bassa padana (l’originario titolo Palude fu cambiato per imprescindibili decisioni censorie).
Vibra nel film la corda del melodramma, che Visconti saprà far vibrare in modo superbo, ineguagliabile tanto sul palcoscenico che nella sua produzione cinematografica: straordinario esempio di quel gusto viscontiano per le storie di dannazione e di sconfitta, il suo culto per la distruzione e la morte, la sua attenzione per l’estenuazione e la decadenza.
Gli attori: bella e dannata la Calamai, che – imposta in luogo della Magnani in evidente stato di gravidanza e della Denis – arrivava dal setde La cena delle beffe di Alessandro Blasetti, 1941, dopo la famosa scena a seno nudo; bel tenebroso Massimo Girotti, oggetto del desiderio di Giovanna e dello Spagnolo, dalla lunga straordinaria carriera agli ordini di molti ottimi registi, da Mario Soldati (Dora Nelson, 1939) a Ferzan Özpetek (La finestra di fronte, 2003); l’equivoco anarcoide interpretato da Elio Marcuzzo⁽⁴⁾ (Lo Spagnolo).

Massimo Girotti e Elio Marcuzzo (lo Spagnolo) in una scena di Ossessione 

Senza pretendere di far concorrenza al Rex – il transatlantico al cui passaggio nelle acque di Rimini Fellini dedicò l’immortale scena – filiamo, nel mare tranquillo, godendoci in una lunga carrellata quell’unicum turistico che è la costa adriatica: Riccione, Misano e Gabicce; poi le Marche, con Pesaro, città natale di Rossini e sede del Rossini Opera Festival e, per restare nel nostro ambito, della Mostra internazionale del Nuovo Cinema (cfr. la voce corrispondente su Wikipedia), ideata nel 1965 e diretta fino all’89, dal compianto storico e critico cinematografico Lino Miccichè con l’obiettivo di promuovere le opere prime nel senso non anagrafico del termine.

Un tributo cinematografico alla vita e all’opera di Rossini è firmato da Mario Monicelli, che accettò di dirigerlo, dopo il rifiuto di Robert Altman, dovuto – si dice – alle troppe pressioni ricevute – chiamiamole, se volete, raccomandazioni – soprattutto da parte di “politici”. Pur avendo un buon cast, Rossini! Rossini!, 1991 non è un gran film, ma merita di essere visto, soprattutto se si è interessati alla bella musica, e al bel canto – in particolare – e se si vuole conoscere di più su uno dei grandi geni della musica che nella terra italica hanno avuto i natali.
Un Monicelli che deve fare il compitino e portare a casa il risultato ha a disposizione Philippe Noiret (Rossini anziano che racconta la sua vita, con ricorso a numerosi flashback), Sergio Castellitto (Rossini giovane nel pieno del vigore creativo e… copulativo), Giorgio Gaber gigionesco interprete dell’impresario Domenico Barbaja), Vittorio Gassman nelle vesti di Beethoven, scomparso dalla versione originale e che ancora gira sordo e declamante in quel limbo in cui ramingano i personaggi del cinema che il pubblico non ha mai potuto vedere. Devo segnalare, per gli appassionati del bel canto la scena del castrato Velluti (da YouTube), che canta, ammirato dal padre di Gioacchino, che voleva far fare al figlio la stessa fine per assicurargli l’avvenire!

..Il David di Donatello 1992 premia la costumista Lilla Nerli Taviani. Moglie del prolifico Paolo, ha vinto nella categoria un altro David di Donatello (Habemus Papam, 2012) e tre volte il Nastro d’Argento (Good Morning Babilonia⁽⁵⁾, Parenti serpenti⁽⁶⁾ e Habemus Papam⁽⁷⁾) Scivoliamo senza fretta sulle note delle arie rossiniane, dello Stabat Mater e delle Sonate per archi (Camerata Bern, 1985, Deutsche Grammophon), che avevo infilato, previdente, nel borsone al momento di partire.

Giungiamo alla penultima tappa adriatica: Ancona, antica città portuale, ricca di traffici e di laborioso intraprendere. Fondata nel IV secolo a.C.dai Greci di Siracusa, che le dettero il nome agkón, che in greco significa “gomito”, dalla forma del promontorio che si chiude a formare un porto ampio e sicuro. La cosa riempie di orgoglio il mio cuore di siracusano e di colono greco approdato 2800 anni fa nella Sicilia delle Sirene e dei Ciclopi, di Vulcano e di Proserpina. Pensare che un mio avo sia poi ripartito, qualche secolo dopo, abbia risalito la sponda adriatica e, con l’innata capacità tutta dorica di trovare approdi e fiumi da risalire e montagnole su cui costruire nuove città e teatri, anfiteatri e templi, abbia scoperto la splendida insenatura formata dal promontorio che si richiude a protezione, mi fa sembrare meno periglioso questo innaturale viaggio su di un legno con tanta tela e tanta incoscienza.

Un film per Ancona? La stanza del figlio di Nanni Moretti, 2001⁽⁸⁾.

Premetto che io sono critico poco affidabile: amo Moretti e gli perdono tutto; ho fatto anche il girotondo con lui davanti alla Rai a viale Mazzini, quando ancora pensavamo che bastasse un girotondo per cambiare almeno qualcosa… erano gli ultimi istanti di un mondo che sento già finito e lontano.
Girotondavamo l’anno dopo l’uscita nelle sale del film, che però vidi solo due o tre anni fa: ho lasciato che decantasse per una dozzina di anni, per farne attenuare la forte carica drammatica. Conoscendo la trama del film ed avendo avuto nell’ormai lontano passato esperienze simili, non avevo voluto che mi si ridestassero dolori sopiti sotto la cenere grigia degli anni.
Poi l’ho visto e ne ho apprezzato la misura, il difficile equilibrio fra l’invidiabile famiglia di “prima” ed il deflagrante dolore di “poi”. Ho conosciuto quei muri, la rabbia sorda senza rassegnazione, il dolore senza limiti della privazione, del definitivo distacco, dell’impoverimento del bagaglio dei ricordi, il loro sfigurarsi inesorabile anno dopo anno, l’obbligatorietà del cammino solitario, la mancanza di un pezzo di sé che non potrà più ricrescere; e i pianti improvvisi di notte con lacrime disperate e senza rassegnazione.
Che cavolata, scrivere come hanno scritto, che nella prima parte Moretti è Moretti e nella seconda parte Moretti non è più Moretti! Nessuno, ferito a morte, è più quello di prima; la nostra vita è fatta di “prima” e di “poi”. Punti di non ritorno, Capi senza Speranza che doppiamo, affidando la nostra vita al vento ed alla pioggia. Miriadi di prima e di poi che inanelliamo e che fanno della vita la nostra vita.
Nanni è bravo a spianare la strada all’acme della storia, attraverso la serena vita comune di una famiglia borghese, educata, colta, laica: lui, Giovanni (Nanni Moretti), il padre, psicanalista; lei, Paola (Laura Morante, bellissima ma un po’ disassata), la madre; un figlio di 17 anni, Andrea (Giuseppe Sanfelice) carino, educato, accomodante, vittima predestinata; la figlia di 14 anni, Irene (Jasmine Trinca⁽⁸⁾).

Il dramma è introdotto da un banalissimo comportamento di Giovanni – gentile, ma non dovuto, era domenica mattina – nei confronti di un suo cliente, che gli chiede di andare a trovarlo a casa, invece che andare col figlio a correre insieme, com’erano soliti fare. Andrea, libero da quell’impegno, raggiunge il gruppo con cui fa pesca subacquea, per non più tornare.
Un destino imprevedibile inghiottirà il mite Andrea e rischierà di distruggere tutta la famiglia. Rapporti scardinati, lavori in malora; forse per sempre, se non comparisse sulla scena Arianna (quella del filo, si, del filo che salva Teseo dal Minotauro, l’Orco che divora il cuore e la mente, il Buco senza fine che inghiotte e disperde ogni cosa nel Nulla); [nella colonna sonora del film, il disco che il padre sceglie in memoria del figlio è già stato presentato sul sito: ascolta qui].
Arianna ha amato per caso e per poco Andrea e Andrea le ha mandato delle sue foto, autoscatti di sé felice nella sua stanza. Le foto sono talee, piantate nei giorni amari. E le talee spesso radicano e si fanno pianta.

Note

1. € 20,99 on line da La Feltrinelli, l’elegante cofanetto con i tre Dvd.
2. A questo periodo appartengono: L’età del ferro, 1964; La prise de pouvoir par Louis XIV (La presa del potere da parte di Luigi XIV), 1966; Idea di un’isola e La lotta dell’uomo per la sua sopravvivenza, 1967; Atti degli Apostoli, 1968; Socrate, 1970; Pascal, 1971; Agostino d’Ippona, 1972; L’età di Cosimo, 1973; Cartesius, 1974.
3. La Repubblica – L’Espresso ha in pubblicazione “Il cinema di Luchino Visconti”, 19 Dvd con tutti i film del Maestro; Ossessione è uscito il 24/12/2016 ed è reperibile come arretrato. Fondamentale, per la comprensione del film e di Visconti il saggio di Lino Micciché “L’opera prima” in “Luchino Visconti”, tascabili Marsilio / Cinema, 2009.
4. Elio Marcuzzo. Antifascista finirà, da lì a qualche mese ucciso per “un terribile equivoco, una storia per me amarissima e triste. Elio condivideva le nostre speranze e il nostro odio per il fascismo”, come dichiarò molto tempo dopo Pietro Ingrao, che collaborò – non accreditato – al tavolo degli sceneggiatori, insieme con Visconti, Mario Alicata, Giuseppe De Sanctis, Gianni Puccini, Alberto Moravia (non accreditato) e Paolo Pietrangeli (non accreditato).
5. Diretto da Vittorio e Paolo Taviani, 1987, con Charles Dance, Vincent Spano, Greta Scacchi, Joaquim de Almeida.
6. Diretto da Mario Monicelli, 1992, con Alessandro Haber, Cinzia Leone, Marina Confalone, Monica Scattini, Pia Velsi, Paolo Panelli.
7. Diretto da Nanni Moretti, 2011, con lo stesso Moretti, assieme a Michel Piccoli e Margherita Buy.
8. La Repubblica – L’Espresso ha pubblicato tutti i film di Moretti; si può comprare come arretrato ad € 11,90. Copie di quell’edizione si trovano su Ebay a € 5,99. Su Amazon si compra a € 7,99. Si trova anche su La Feltrinelli (€ 9,99) e Ibs (7,99).
9. Jasmine Trinca. Moretti la sceglie dopo duemilacinquecento provini e lei lo ricompensa con una encomiabile partecipazione, tanto da meritare apprezzamenti di critica e di pubblico al Festival di Cannes 2011 dove il film vince la Palma d’Oro, la candidatura sia al David di Donatello, sia Al Nastro d’Argento come migliore attrice non protagonista; il Ciack d’oro alla migliore attrice non protagonista; il Globo d’oro alla migliore attrice esordiente; il Premio Guglielmo Biraghi ai Nastri d’argento 2001.

[Piccolo cabotaggio (4). Da Rimini ad Ancona – Continua]

Trasferimento da Venezia alle Isole Tremiti 
8 MARZO, 2017
di Tano Pirrone http://www.ponzaracconta.it/s=piccolo+cabotaggio+3&submit.x=0&submit=0

“L’Hallber Rassy 45”ed altre accortezze
L’eterea, impalpabile, opalina fantasia, pur vivace, pronta, esploratrice resistente ed inquieta, per farsi segno, scrittura ha bisogno di radici profonde, di fondamenta solide, di ancore pesanti legate a robuste e lunghe catene.
Organizzare un viaggio in mare, pur di piccolo cabotaggio e con rotta sempre a ridosso della costa, per un terricolo stagionato ed irrecuperabile come me ha bisogno di compagni di viaggio esperti e di mezzi adeguati, che utilmente lo rassicurino e rendano sicuro, confortevole e verosimile il viaggio stesso.
La scelta dei compagni d’avventura è, di solito, cosa assai complicata e più affidata alla dea bendata che alla perizia nella ricerca. Ho tra gli amici più cari con cui condivido quasi tutte le mattine chiacchiere e caffè, due esperti di barche e della loro saggia conduzione; di essi mi son fidato e con loro, pur gravati dal peso dell’età ormai non più verde, ho formato l’equipaggio e con loro ho scelto la barca con cui affrontare in sicurezza e senza ambasce il lungo viaggio.

S. e G., una volta compreso – non è stato per nulla facile! – che si trattava di un viaggio immaginario e che avremmo dovuto tutti insieme essere fedeli alla verosimiglianza senza ricorrere ad un viaggio vero, si sono dichiarati d’accordo ed hanno iniziato a sotterrarmi di informazioni.
È notorio che io sono buon conoscitore dell’arte antica di coltivare gli agrumi, portata in Sicilia dagli Arabi e affidata ai rudi e laboriosi abitanti di Trinacria, come col fuoco fece Prometeo, che rubandolo agli dei ne fece dono agli uomini; nello stesso modo si sa che conosco poco o punto le fondamentali nozioni dell’arte del navigare e distinguo a malapena un caicco da un gozzo, un peschereccio da un rimorchiatore, i burchielli dai catamarani, e mi persiste, archiviato fra i misteri, cosa siano gli scalmi.      In ragione di ciò, simuleremo il nostro viaggio di piccolo cabotaggio, salendo a bordo di un bellissimo scafo l’Hallberg Rassy 45 (la cifra indica la lunghezza in piedi), intramontabile barca di diporto su cui il mio amico S. ha imbarcato negli anni d’oro belle fanciulle spiegando le vele in tutto il Mediterraneo.
A bordo abbiamo voluto due marinai ché provvedano a tutte le esigenze di navigazione e di conforto. Mi dicono, gli esperti, che potremo procedere ad una velocità media oraria di circa 5 miglia nautiche (pari, metro più metro meno, a poco più di 9 chilometri).
Prevedendo di navigare dall’alba al tramonto per una media di 12 ore, percorreremo ogni dì circa 60 miglia nautiche, raggiungendo le Tremiti in meno di una settimana; salvo impedimenti meteorologici, o incidenti (tipo inciampo con narratore giù per terra con sterno e mano destra dolenti e, soprattutto, conseguente precipite autostima).
Ho deciso così di apportare una piccola variazione – in addendum – al programma originario: scivolando giù per il “libero tristo fragrante verde Adriatico” (1) abbineremo luoghi a film della nostra memoria, più o meno noti, più o meno di successo, ma tutti degni di essere citati e possibilmente rivisitati.
Divideremo il viaggio in due parti: dal Lido di Venezia a Riccione e da lì alle Isole Tremiti. I nostri tre lettori ce ne saranno grati.
Il viaggio. Dal Lido a Riccione
Salpiamo all’alba dal Lido, che abbiamo lasciato al tramonto del giorno e della vita di Gustav in Morte a Venezia, e tenendo il Litorale sulla nostra sinistra vediamo sfilare Malamocco e Alberoni, il passaggio al mare aperto e poi tutto il Litorale di Pellestrina, fino a Chioggia, dove due cose ci attraggono (oltre la città stessa, i suoi canali e i suoi ponti): il magnifico mercato ed il ricordo di un bel film abbastanza recente: Io sono Li di Andrea Sepe, 2011.

Il giovane regista è documentarista eccellente e prolifico, ha vivo l’interesse per etnie, popoli e culture marginali. Ha realizzato oltre Io sono Li un solo altro lungometraggio La prima neve, 2013, in cui continua la sua personale ricerca fra essere umani e luoghi. Il resto della sua produzione sono documentari, colti, profondamente segnati da interesse e solidarietà per i suoi personaggi.
Shun-Li (Zhao Tao), cinese emigrata in Italia confeziona quaranta camicie al giorno in un laboratorio tessile di Roma per pagare il viaggio e i documenti per il figlio rimasto – lì – in Cina e che la madre sogna di riabbracciare al più presto. A Chioggia apprende la lingua e stabilisce una delicata storia di amicizia con Bepi (Rade Šerbedžija), anziano pescatore croato da oltre venti anni in Italia. La storia si intreccia con invidie e contrasti che denunciano con toni pacati un’integrazione mancata.
Io sono Li è cinema di poesia, umile e ostinato, che ha trovato riconoscimenti di pubblico e di critica [su Ponzaracconta Gabriella Nardacci ha già scritto del film e presentato il relativo trailer].

Oltre al Donatello alla protagonista bisogna ricordare il Premio Lux del Parlamento europeo, riservato ai quei lavori che esplorano le diversità delle culture in Europa.
Rivederlo è un’esigenza per mettersi in pari con il clima stupidamente avverso nei confronti dell’immigrazione e dell’integrazione e coglierne la levità e la compostezza disadorna. Indispensabile per cogliere e comprendere quanto sia lucido e necessario lo sguardo alieno di chi è straniero nella propria nazione. Comprarlo è facile: lo vende Amazon a 6,99€, abbinando, se volete, La prima neve a 9,99€. 

Usciamo lentamente dalla Laguna veneta e iniziamo a scendere, tenendo ora la costa sulla nostra destra (a tribordo) ed è subito un “fociare” di fiumi, il Brenta, l’Adige e poi il vecchio Po, che dissolve in mille rami la sua possente linfa. Navigando scrupolosamente secondo le indicazioni del portolano (2) vediamo scorrere la Riserva naturale delle bocche del Po antistante Porto Tolle.
E qui dobbiamo alzare un saluto grato ad uno dei padri del Cinema italiano (e non solo): Roberto Rossellini. Fra le paludi del Polesine, fra le acque che lente giungono alla meta, il regista romano ambienta il sesto episodio di Paisà, 1946, secondo film della Trilogia della guerra antifascista (Roma città aperta, 1945, e Germania anno zero, 1948). Paisà è giustamente considerato come una vetta del cinema neorealista: diviso in sei episodi, che accompagnano la guerra dallo sbarco di luglio 1943, attraverso la Napoli della fame e degli scugnizzi, una storia romana fra una ragazza ed un soldato americano, la Firenze della lotta partigiana, l’Appennino con un incontro fra frati conventuali e cappellani non cattolici, e oltre la Linea Gotica(3), nell’inverno del 1944, le paludi del Polesine e la durissima, spietata lotta fra nazisti in ritirata e partigiani.
Fiumi di parole, muri di libri sono stati scritti su questo film, sulla trilogia della guerra, su Roberto Rossellini, perché in un veloce viaggio si possa approfondire oltre. Chi volesse rivederlo e non lo avesse nella videoteca personale, può acquistarlo on line oppure vederlo in streaming: http://www.rai.it/dl/RaiTV/programmi/media/ContentItem-681aa7d8-652a-46fd-8cf7-43d8bb3bf2b8.html.
Continuando il nostro viaggio verso il sud, costeggiamo i Lidi di C
A me basta rivolgere il pensiero riconoscente a Federico Fellini, uno dei massimi uomini del cinema di tutti i tempi. Io reputo 8 ½ il film più bello, completo e meglio realizzato di sempre, ma io esagero sempre… o quasi. Come non celebrare il grande Federico se non citando il suo fantasmagorico carnet de souvenirs, Amarcord (1973).

Il titolo è una “univerbazione”, la riduzione, cioè, di una frase romagnola “A m’arcord” (Io mi ricordo), che è diventato un neologismo della nostra lingua, cui ricorriamo quando “rievochiamo in chiave nostalgica”. Numerosissimi gli interpreti, magnificamente guidati, che hanno dato vita a personaggi ormai mitici, come Magali Noël, nella parte della provocante parrucchiera Ninola, decisa a trovare un futuro marito uguale a Gary Cooper, ma pronta, nel frattempo, a offrirsi con generosità (“Signor Principe, gradisca”), da cui “La Gradisca”; come Maria Antonietta Beluzzi, “La Tabaccaia”, con cui Titta (interpretato da Bruno Zanin) trascorre alcuni sospirati momenti di intimità nella di lei bottega; come Ciccio Ingrassia, nella parte di Teo, lo zio matto (…voglio una donna …voglio una donnaaa!).

È un film senza intreccio, senza vicenda. Avvengono le “solite” cose tanto nella vita privata che nella pubblica e avvengono tutte nello stesso modo, secondo una visione del mondo “contadina”, in cui storia e natura si confondono sicché la vita umana risulti inserita costantemente nell’inalterabile, eterno, sicuro flusso cosmico.
Per chi volesse acquistarlo, Amazon è sempre lì, drone o non drone: la nuova versione restaurata costa € 16,99. Anche La Feltrinelli e Mondadori vendono on-line.
Ormeggiati tranquillamente nel porto turistico di Rimini, pronti a salpare alla prima notizia del passaggio, nella notte, del Rex(4) o del suo scintillante fantasma, ci riposiamo sulla terra ferma [la scena dell’attesa del Rex e del relativo passaggio (da Amarcord), è stata inserita nel filmato di Sandro Russo per la serata del Faro della Guardia, il 10 agosto 2012. Leggi e guarda qui].
Ne approfitto per l’ultima liaison fra città adriatiche e film lungo la rotta dal Lido di Venezia alle Tremiti. Pochi chilometri a sud Riccione, Misano Adriatico, Cattolica e poi le Marche, terra ballerina, cui va tutta la nostra vicinanza, simpatia e solidarietà.
Proprio a Riccione è ambientato il bel film di Valerio Zurlini (5) Estate violenta, 1959.

L’estate in cui si svolge la storia narrata da Zurlini è quella del 1943, nella quale i tempi si accelerano e le regioni d’Italia, che sembravano ancora sicure, sono coinvolte dalla montante onda della guerra. I giovani borghesi trascorrono la stagione dei bagni al mare; fra essi Carlo (Jean-Louis Trintignant), il figliolo ventenne di un gerarca fascista (Enrico Maria Salerno). Fra noie, feste ed amorazzi, il giovanotto s’infatua di Roberta (Eleonora Rossi Drago), bellissima vedova di un ufficiale che trascorre la stagione in una villa a mare con la madre (Lilla Brignone) e con la piccola figlia. Allo scoccare del 25 luglio piovono bombe sulla spiaggia e sulla stazione. La relazione, intreccio fra l’immaturità del giovane e la dolorosa disillusione di lei, ha la sua conclusione nel momento della fuga verso nord: il treno su cui viaggiano verso posti più sicuri è bombardato; il violento impatto con la realtà mette Carlo di fronte alle sue responsabilità: convince la recalcitrante Roberta a tornare indietro dalla figlia e dalla madre e va incontro al suo destino.

La sceneggiatura, tratta da un soggetto originale di Zurlini, è frutto del lavoro comune con Suso Cecchi D’Amico e Giorgio Prosperi. Il film scorre con garbo ed eleganza, con alcune scene clou, come il ballo ed il primo bacio e il bombardamento del treno nel finale. Salerno è superbo interprete del gerarca fascista, ammirevole la presenza scenica della grande attrice di teatro Lilla Brignone; alter ego del regista, perfettamente calato nel profilo psicologico ed etico di Carlo, il grande Trintignant (doppiato da Paolo Ferrari).
Due Nastri d’argento hanno premiato nel 1960 Eleonora Rossi Draghi come migliore attrice e Mario Nascimbeni per la colonna sonora. Lo stesso anno al Festival di Mar Del Plata la Draghi ricevette il premio per migliore attrice.
Per ri/vederlo, se non ce lo avete in casa, o non avete amici che stivano Dvd, potrete trovarlo sul web: https://www.youtube.com/watch?v=qmyP26vUELw
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Note
(1) – Gabriele D’Annunzio, Canto Novo, Libro secondo, 46
(2) – Manuale basato sull’esperienza e l’osservazione che fornisce le informazioni non rappresentabili dalle carte nautiche, in particolare una descrizione accurata dell’aspetto verticale della costa.
(3) – Denominazione data, durante la seconda guerra mondiale, alla linea difensiva tedesca su cui si ritirarono le truppe tedesche sul fronte italiano nel 1944; correva da Forte dei Marmi a Rimini e impediva alle forze alleate di entrare nella pianura padana. Crollò tra l’autunno del 1944 e l’aprile del 1945 (l’Enciclopedia, vol. 9, La biblioteca di Repubblica).
(4) – Il transatlantico Rex, costruito dai Cantieri Navali Ansaldo di Sestri Ponente e inaugurato nel settembre del 1932 rimase il più grande mai costruito fino al varo nel 1991 della Costa Classica. Il Rex è protagonista di una celebre scena di Amarcord, nella quale una folla ne attende nottetempo il passaggio nell’Adriatico a bordo di piccole imbarcazioni. Tale scena è di pura fantasia, in quanto il Rex, eccetto l’ultimo viaggio verso Trieste nel 1994, non passò mai nell’Adriatico.
(5) – Dopo una serie di documentari, esordì con il lungometraggio Le ragazze di San Frediano (1955) da un racconto di Vasco Pratolini. Con Estate violenta (1959), su una complicata storia d’amore nell’Italia del secondo dopoguerra, e La ragazza con la valigia (1961), sulla complessa relazione tra due giovani dall’animo profondamente diverso, si ritagliò un posto di psicologo della donna e della gioventù. Con Cronaca familiare(1962), sempre da Pratolini, compose a colori un’opera figurativamente equilibrata e un’elegia dei sentimenti, vincendo il Leone d’oro a Venezia (ex-aequo con L’infanzia di Ivan di A. Tarkovskij). Seguirono Le soldatesse (1965), dal romanzo di Ugo Pirro sulle prostitute di guerra, Seduto alla sua destra (1968), su un dramma del colonialismo in chiave evangelica; La prima notte di quiete (1972). Z. riconferma il gusto per la sintonia tra cinema e letteratura con Il deserto dei tartari (1976) dal romanzo di Dino Buzzati.
Nei suoi film spicca la raffinatezza del gusto figurativo e le accurate inquadrature. Negli ultimi anni della sua vita è stato insegnante al Centro Sperimentale di Cinematografia.

Piccolo cabotaggio (3) – Continua

Venezia e Visconti

di Tano Pirrone http://www.ponzaracconta.it/2017/02/26/piccolo-cabotaggio-2-venezia-e-visconti/

Oggi prima tappa del nostro viaggio da un’“ascella” all’altra della nostra Bell’Italia. In prima battuta affronteremo il film più “coriaceo” della dozzina programmata, che è anche, a mio vedere, uno dei film più complessi e che ha fatto scrivere fiumi d’inchiostro.
Ho cercato di essere “leggero”, non so se ci sono riuscito. C’è spazio nei commenti per dirmi, anche brevemente, la vostra. Gute reise, bon voyage, buon viaggio.
T. P.

Alla Recherche dell’Isola perduta

Lido di Venezia: “Nome dato alle lunghe isole formanti il cordone litoraneo delle lagune venete, e particolarmente l’isola, o freccia litoranea, della laguna di Venezia, coi forti di S. Nicolò, Quattro Fontane, Alberoni e con Malamocco. Sono formate da detriti trasportati dal Brenta e dagli altri fiumi veneti, respinti dalla marea. Bei giardini, grandi stabilimenti balneari. Ab. 4000” (1).

Grazie al favorevole clima estivo e alla purezza dell’acqua sin dalla metà del XIX secolo divenne località balneare. Nel 1857 fu costruito il primo stabilimento balneare, seguirono vari insediamenti e nel 1900 fu inaugurato il Grand Hotel des Bains, che fra tanti ospiti illustri annoverò Thomas Mann, lo scrittore tedesco, premio Nobel per la letteratura nel 1929.

La vocazione turistica internazionale del Lido fu confermata e sviluppata dalla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, fortemente voluta da Mussolini e inaugurata nel 1932, e dall’apertura, qualche anno dopo, della sede del Casinò di Venezia.
Thomas Mann vi ambientò il racconto Der Tog in Venedig (La morte a Venezia) (2), che Luchino Visconti ridusse nel film di cui oggi parliamo: Morte a Venezia (1971) (3), secondo capitolo della “trilogia tedesca”, preceduto da La caduta degli dei (1969) e seguito da Ludwig (1973).

Di nobili origini, Luchino Visconti di Modrone per alcuni suoi film scelse ambienti aristocratici e alto borghesi (fra questi, i tre citati). I contenuti, però, non sono mai aristocratici. Molto attento e sensibile ai temi sociali e psicologici, Visconti costruì i suoi film come testimonianze della sua convinzione che “il vecchio mondo dell’aristocrazia doveva tramontare perché solo pochissimi potevano partecipare ai suoi splendori e che la nuova democrazia borghese e la sua morale non fanno altro che legittimare una forma banale dell’individualismo del possesso.(4)”

Il progetto di portare sullo schermo il testo di Mann Visconti lo accarezzava da tempo, ma l’ansia di realizzarlo divenne man mano più urgente con la crisi di un’incipiente vecchiaia e in sintonia con le tematiche del racconto. Non solo l’innamoramento senile del protagonista per un bellissimo adolescente, ma forse, ancor più il conflitto fra estetica e etica. Il racconto di Thomas Mann rispondeva perfettamente alle sue esigenze espressive. E rappresentava un ultimo passo per giungere alla rappresentazione della Recherche di Proust.
Il flusso del tempo che scorre lungo le pagine della Recherche è lo stesso che trascina Aschenbach verso l’ossessione e la morte. E con il soggiorno a Venezia del protagonista e di sua madre iniziava la prima stesura della sceneggiatura scritta con Suso Cecchi d’Amico. Nel 1971 se ne andarono assieme in Francia a cercare i luoghi in cui girare il film.
Visconti morì senza aver potuto portare a termine il suo progetto proustiano. Forse, dentro di sé, aveva sempre saputo che non l’avrebbe mai realizzato. Forse amava e conosceva troppo bene Proust per pensare realmente di poterlo traslocare sullo schermo.
Il tema che legava Morte a Venezia e la Recherche era chiaramente l’omosessualità e quello “di fare dell’omosessualità, dell’amore omosessuale, del desiderio omosessuale, della gelosia omosessuale, l’unico, formidabile motore che fa girare e accendersi di luci volta a volta esaltanti e sinistre l’immenso planetario della Recherche…(5)”.

Ci sono nel film di Visconti altri richiami al libro di Proust, ma è l’atmosfera storica che si sovrappone con particolar forza.
Il 1911, l’anno in cui si svolge il film è, per esempio, lo stesso in cui sono scritte le prime pagine della Recherche. E in quei mesi Thomas Mann scrive il suo racconto, il cui protagonista è lo scrittore cinquantenne Gustav von Aschenbach, nominato conte dal Kaiser e autore tra gli altri di un romanzo Un miserabile, col quale intendeva additare ai giovani “la via della risolutezza morale”. Più che assomigliarsi a Nietzsche o a Strindberg – suoi contemporanei – appare uno dei tanti intellettuali borghesi a cavallo del ’900, che ignoravano di essere infetti di decadentismo. Così il dramma di Aschenbach rimane il dramma di valori non tanto intellettuali quanto etico-sociali. E il colera che scoppia in un’antica sede della cultura europea come Venezia simboleggia appunto lo scoppio mortale dell’estetismo in un animo attaccato ai valori tradizionali. Luchino Visconti ha colto la contraddizione e sostituito lo scrittore manniano con la figura di un intellettuale esteta, musicista famoso nel quale è adombrata la figura del compositore austriaco Gustav Mahler(6). Lo stesso Mann, profondamente turbato dalla morte di Mahler, avvenuta durante il suo soggiorno a Venezia, diede al protagonista il nome e la fisionomia del compositore, pur ponendo attenzione affinché le allusioni non diventassero esplicite.

L’altero protagonista (Dirk Bogarde), reduce da un periodo di crisi, si reca per una vacanza al Lido di Venezia, dove soggiorna all’Hotel des Bains. Subito è attratto da un adolescente “di una bellezza perfetta”, con una capigliatura “come quella dello Spinario capitolino(7)”.
Tadzio(8), questo è il nome del fanciullo fa parte di una famiglia polacca alto borghese o nobile e la cui madre è una straordinariamente bella e regale Silvana Mangano.

Il professore comincia a seguire l’adolescente con lo sguardo, nell’albergo e sulla spiaggia, e ne è ambiguamente ricambiato. Turbato da questa passione e oppresso da uno scirocco senza fine, Aschenbach si decide a ripartire, ma un contrattempo lo fa desistere. Riprende il giuoco degli sguardi e degli inseguimenti. A Venezia, intanto, emergono segni di un’epidemia di colera. Gustav rinuncia ad avvertire la famiglia di Tadzio, ricade in una profonda depressione, e cerca di riparare ai guasti del tempo e della depressione con un trucco pesante, che lo rende ridicolo alla vista.                                                Stremato, sulla sdraio, segue  il giovane efebo sulla spiaggia  e muore, il trucco disciolto  sul viso, come una  maschera grottesca.

La tendenza a rappresentare il grottesco, è molto presente nella trilogia tedesca non tanto per una particolare predilezione estetica (in quanto spirito radicalmente ottocentesco Visconti rimarrà fedele ad altre tendenze artistiche), ma soprattutto perché l’espressionismo tedesco, meglio e più di altre, esprimeva quella inquietudine che attraversava la società tedesca del primo Novecento e che il regista voleva rappresentare.

La puntigliosissima preparazione di ogni particolare e la raffinata capacità di ricreare ambienti, costumi, atteggiamenti non poteva trascurare questo aspetto. La figura del vecchio gitante allo sbarco dal battello, il direttore dell’Hotel des Bains (ricalcato sull’omologo di Balbecin Proust), il suonatore girovago, che sembra preso in prestito da Fellini; lo stesso Aschenbach dell’ultima parte, che si fa imbonire dal barbiere e scivola in un grottesco umiliante, ributtante. E l’ultima scena della morte, in cui senza pietà, i coloranti ed il cerone lo imbrattano e gli tolgono l’ultima parvenza di dignità.

I luoghi in cui si svolgono tanto il racconto che il film sono ben conosciuti dal regista, che vi trascorreva fanciullo (e se in Tadzio abbia voluto raffigurare se stesso adolescente?) le vacanze con la madre; e prima da Thomas Mann che vi soggiornava nel 1911 e maturava l’ispirazione del racconto. Ma anche Mahler vi soggiornò. Venezia e il suo Lido.

Tutto il film è segnato dalla presenza autorevole e dinamica dei luoghi. Il Lido, la sua spiaggia, il magnifico Hotel des Bains sono gli scenari straordinari che fanno da palcoscenico anche alla sfilata di personaggi che provengono dalla memoria di Visconti. La società, gli eventi, gli stessi luoghi rimangono sullo sfondo ed il protagonista rimane costantemente in primo piano, osservato in tutte le sue componenti etiche e intellettuali. Si affievolisce il profilo umano e sociale della sua personalità e un’analisi critica della sua condotta in rapporto alla società e alla storia, riducendosi, come sottolineato da alcuni critici ad una specie di “narcisismo”, di autocompiacimento formale. Visconti commenta la storia di Gustav, completando un unicum di rara qualità, con la musica di Mahler: il Quarto Tempo della Terza Sinfonia, l’Adagettodella Quinta Sinfonia, che ricorre nei momenti salienti del film; e brani di altri autori: la Ninna Nanna di Modest Mussorgski, cantata senza accompagnamento musicale, Per Elisa di Beethoven, suonata al pianoforte in due scene, Chi vuole con le donne aver fortuna di Armando Gil, suonata e cantata dalla piccola banda di girovaghi nella veranda dell’Hotel, La Vedova allegra di Franz Lehár (il valzer e l’aria della Veljia).

In chiusura, sono “costretto” ad utilizzare, per debito di riconoscenza, stima e amicizia, le parole conclusive del saggio ‘Morte a Venezia’ secondo la critica, di Francesco Bono e Gianni Sarro; saggio che ho letto a scrittura ultimata, ad ormeggi ormai sciolti: “…In primo piano era già apparso più volte il particolare di una macchina fotografica, che ora chiude Morte a Venezia.
“Una propria cifra simbolica”, suggerisce Sergio Frosali, una “chiara allusione al fatto che quello che per Mann era la letteratura e per Mahler la musica”, è stato per Visconti il cinema; “una sigla autografa apposta in calce all’opera”.

Spinario. Palazzo dei Conservatori, Musei Capitolini; figura intera e (sotto) particolare del viso

Bibliografia

(1) Dizionario di Cognizioni Utili (Vol. 3, H-M, pag. 509), nuova edizione stereotipa del 1925. Il dizionario fu pubblicato a partire dal 1905. Le informazioni riportate si riferiscono pertanto proprio al periodo in cui sono ambientati racconto e film.

(2) Einaudi editore, ET classici, a cura di Marino Freschi, traduzione di Anita Rho

(3) Regia di Luchino Visconti. Sceneggiatura: Nicola Badalucco e Luchino Visconti. Fotografia: Pasquale De Santis. Montaggio: Ruggero Mastroianni. Scenografia: Ferdinando Scarfiotti. Con: Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach), Björn Andrésen (Tadzio), Silvana Mangano (madre di Tadzio), Romolo Valli (direttore dell’albergo).
Il DVD del film è uscito in edicola il 17/12/2016, nella collana “Il cinema di Luchino Visconti” edita da “Il Cinema di Repubblica – L’Espresso. La Warner Bros Entertainment lo ha pubblicato nella collana I Grandi Registi.
Riconoscimenti:
1971 David di Donatello
Migliore regista a Luchino Visconti
1971     Nastro d’argento
Regista del miglior film a Luchino Visconti
Migliore attrice non protagonista a Silvana Mangano
Migliore fotografia a Pasqualino De Santis
Migliori costumi a Piero Tosi
Nomination Migliore attore non protagonista a Romolo Valli
1971     Globo d’oro Miglior film a Luchino Visconti
1971     Festival di Cannes
Premio del 25° anniversario a Luchino Visconti
Nomination Palma d’oro a Luchino Visconti
1972     Premio Oscar
Nomination Migliori costumi a Piero Tosi
1972     Premio Bafta
Miglior fotografia a Pasqualino De Santis
Migliore scenografia a Ferdinando Scarfiotti
Migliore colonna sonora a Vittorio Trentino e Giuseppe Muratori
Migliori costumi a Piero Tosi
Nomination Miglior film
Nomination Migliore regia a Luchino Visconti
Nomination Migliore attore protagonista a Dick Bogarde

(4) Bernd Kiefer (in: “Die Sehnsucht nach dem Schönen”, tradotto da Wolfgang Pruscha).

(5) Giovanni Raboni, Introduzione alla sceneggiatura definitiva, Mondadori, Milano, 1986

(6) Entrambi, Aschenbach nel film – e possiamo dire anche nel racconto (che è del 1912) – e Mahler muoiono nel 1911.

(7) Lo Spinario è un’opera ellenistica di scultura, raffigurante un giovane seduto mentre, con le gambe accavallate, si sporge di fianco per togliersi una spina dalla pianta del piede sinistro. Ne esistono varie versioni sparse nei musei di tutto il mondo. Quella forse più antica, in bronzo (73 cm di altezza), si trova ai Musei capitolini a Roma.

(8) Nel 1970 Visconti effettua i provini per la ricerca dell’attore che deve interpretare il ruolo del fanciullo polacco. Frutto della ricerca il documentario “Tadzio” diretto dallo stesso Visconti e prodotto dalla Rai per la rubrica Cinema 70. Il documentario è disponibile al seguente indirizzo: http://www.raiscuola.rai.it/articoli/visconti-e-thomas-mann-il-personaggio-di-tadzio/8188/default.aspx

[Piccolo cabotaggio (2). Venezia e Visconti – Continua]

Piccolo cabotaggio (2). Venezia e Visconti: continua

di Tano Pirrone http://www.ponzaracconta.it/2017/02/19/piccolo-cabotaggio-1-presentazione/

Presentazione di sandrorustico “Io lavoro al bar / di un albergo a ore…”

Come attività principale io faccio il capo-redattore di un sito web. Il mio lavoro è convincere le persone a scrivere; con qualcuno è più facile, con altri quasi impossibile (…e tutte le sfumature intermedie).Ovviamente non tutti gli argomenti interessano allo stesso modo i miei lettori (rudi isolani dai modi spicci e poco inclini ai voli di fantasia).Con Tano è stato sfondare una porta aperta. Lui legge, si documenta, ma poi quello che butta giù va bene: “buona la prima!”Così abbiamo concordato, per un sito isolano che però ha l’ambizione di essere letto anche fuori dall’isola – un viaggio in barca lungo la penisola – piccolo cabotaggio, appunto – in cui lui potesse raccontare i ricordi e i rimandi che le sponde gli evocavano.I suoi scritti si sono nutriti, nel corso del viaggio, di associazioni personali e di molto cinema, e questo spiega il trasferimento delle sue “puntate” su questo blog…Buona navigazione!

Recalcitrante ho accettato l’invito di preparare una serie di articoli in cui fosse collegato un film ad un’isola. La mia resistenza era dettata dalla difficoltà che intuivo non facilmente superabile di trovare costantemente, nell’intera serie, per ognuna delle coppie un nesso fra l’elemento “isola” – retoricamente interpretata come simbolo di separatezza compiuta e di irrinunciabile identità – e un prodotto artistico, che superato l’angusto limite della missione di intrattenimento affermasse la sua vera e profonda essenza di metafora comunque collegabile con il primo.
Questa difficoltà, irrisoria, se la scelta è libera (una qualunque isola del mondo, fra le più note e uno dei film che l’ha avuta come location), diventa difficoltosa se si preferiscono 12 isole italiane, in un percorso che va dall’alto Adriatico al Mar Ligure. Non solo isole grandi e note con una storia cinematografica lunga e consistente, ma anche isole piccole e addirittura scogli. Il criterio di abbinamento è necessariamente vario, ma confido che trovi benevolenza nei miei sei lettori, disposti ad imbarcarsi in questo breve viaggio. Laddove mancherà il forte nesso logico, mi auguro si dia merito all’inventiva.
Scrivo “imbarcarsi” proprio perché quello che ho immaginato è un viaggio, neanche breve, lungo i mari che bagnano la nostra penisola; un percorso in massima sicurezza, costa costa, da piccolo porto a piccolo porto, che trova riscontro e giustificazione nel titolo di questa rassegna: Piccolo cabotaggio.
Voglio riportare la definizione di “cabotaggio” non come chiaramente si evince in un modernissimo dizionario, dallo Zanichelli a Wikipedia, dal Treccani al Gabrielli, ma come è riportato nell’antico “Dizionario di cognizioni UTET” di cui ho parlato – con affetto – in un mio articolo del 22 agosto 2013 “Che farò senza faro?”
Nel primo dei sei volumi “A – C”, a pag. 572, alla voce cabotaggio, si legge: “Navigazione che si fa lungo le coste del mare da capo a capo, da porto a porto. Il cabotaggio distinguesi d’ordinario in grande e piccolo. Il piccolo è la navigazione di commercio che si fa da un porto all’altro con piccoli bastimenti senza uscire dal medesimo Stato o almeno senza allontanarsene molto. Per grande cabotaggio si intendono in complesso quei viaggi che passano i limiti del piccolo, senza però essere viaggi di lungo corso (…)”
Lasceremo alla prossima occasione, se ci sarà, viaggi più impegnativi in mari più esotici e meno conosciuti, di grande cabotaggio o di lungo corso.
Tracciamo, pertanto, il viaggio e presentiamolo per sommi capi: da Venezia scenderemo per l’Adriatico, giungeremo al centro del Mare Nostrum e poi risaliremo per effettuare il giro della Sicilia, toccando prima Ustica, poi le Eolie e su, costeggiando, ci lasceremo sulla destra le isole Ponziane (che questa volta fanno “solo” da spettatori”) per far scalo nell’Arcipelago Campano, sostare in Sardegna, e completare il prudente viaggio nell’Arcipelago Toscano.

Ed ora gli abbinamenti:
1. Venezia e il Lido: Morte a Venezia di Luchino Visconti, 1971
2. Isole Tremiti: Isole di Stefano Chiantini, 2011
3. Lampedusa: Fuocammare, docufilm di Gianfranco Rosi, 2016
4. Isola piccola (Marzamemi, Sicilia): Sud di Gabriele Salvadores, 1993
5. Ustica: Gramsci 44; documentario di Emanuele Barbucci, 2016
6. Lisca Bianca (Isole Eolie): L’avventura di Michelangelo Antonioni, 1960
7. Ischia: Vacanze ad Ischia di Mario Camerini, 1957
8. Capri: Il disprezzo di Jean –Luc Godard, 1963
9. Budelli: Deserto rosso di Michelangelo Antonioni
10. Giglio: Farfallon di Riccardo Pazzaglia, 1974
11. Elba: N (Io e Napoleone) di Paolo Virzì, 2006
12. Montecristo: Il Conte di Montecristo di Josée Dayan, 1998
Bene! Alla prossima settimana, allora con Morte a Venezia. Non molto allegro, tutt’altro, ma è un vero capolavoro, uno dei tanti dell’indimenticabile Maestro.